Catégorie : Bande dessinée

Narration : une page d’Alix

On commémorera demain l’anniversaire de la mort de Jacques Martin, parti le 21 janvier 2010. Vous savez qu’il fut un auteur très important pour moi. Sans lui, je n’aurais sans doute jamais fait de Bande Dessinée. Et je réalise que je n’ai pas encore parlé de l’une de ses planches. Il est grand temps de réparer ça. Voici donc la page 28 des Légions perdues, le tome 6 des aventures du jeune Alix.

Je l’ai choisie pour rester dans le thème du loup puisque je vous ai parlé d’une planche de l’album « Louve » de la série Thorgal la dernière fois.

On a donc ici la fameuse rencontre d’Alix et du loup qui conditionnera toute la suite de ses rapports avec cet animal dans le reste de la série. Le loup n’est pas vu ici comme le symbole de Rome mais plutôt, a priori, comme celui de la sauvagerie, le « pire ennemi » de l’homme, qu’il faut éliminer. Je dis a priori car Martin va renverser les codes comme Van Hamme et Rosinski le feront après lui. Le loup ne devient pas ici une image maternelle, mais il est décrit comme un animal intelligent, capable de complicité avec les humains et qu’il faut épargner et même sauver au même titre qu’un humain justement.

Jacques Martin met tout ceci en valeur dans les deux derniers strips de la planche. Chacun est divisé en trois sections verticales et utilise les ressources de la symétrie pour mettre en parallèle ou en opposition les personnages et le loup.

Ainsi, strip 2, on a, en case 1, une plongée sur le loup en train de remonter du trou d’une manière inattendue et très astucieuse, tandis qu’en case 4, on a une contre-plongée sur les humains avec un Macarus brutal et prêt à tuer. L’opposition/complémentarité des plans répond à celle des comportements des protagonistes qui échangent des regards lourds dans les deux cases centrales.

Le strip suivant n’a qu’une case verticale au centre mais elle est entourée de 4 petites cases horizontales, contrairement au précédent qui présente la construction inverse (2 petites cases horizontales entourées de 2 cases verticales). Cette mise en scène donne un grand équilibre et une grande stabilité à la planche tout entière.

Pour en revenir au strip 3, il joue sur la symétrie entre plusieurs de ses cases. Cases 1 et 4, on a 2 personnages en buste qui discutent. Cases 2 et 5, on a 1 seul personnage muet, dans des plans proches. Si l’affrontement visible case 1 s’oppose à l’entente qui règne case 4, la détermination et le calme sont les mêmes cases 2 et 5. Symboliquement, Alix est assimilé au loup et tous deux s’opposent aux deux autres personnages, les vrais « loups », au sens sauvage du terme, de la page.

On le voit, ici, comme dans beaucoup de planches que je vous présente, le fond et la forme sont inséparables. Ils se renforcent mutuellement et concourent tous les deux au sens que l’auteur veut donner à son œuvre ainsi qu’à sa beauté.

Narration : une page de Thorgal

Comme c’est aujourd’hui l’anniversaire de Jean Van Hamme, il est né le 16 janvier 1939, je vous montre une planche du tome 16 de Thorgal, Louve. Il s’agit de la dernière planche de l’album, montrant la naissance de la fille d’Aaricia et de Thorgal.

J’aime beaucoup cette séquence car elle laisse une large place à la tendresse, ce qui est assez rare dans l’univers de notre Viking, d’autant que l’album lui-même est sombre et violent.

Cette tendresse s’incarne dans Jolan serré contre son père case 1 et dans toute la famille, réunie en dernière case, qui partage un ultime câlin. Mais cette douceur est aussi présente dans le parallèle entre Aaricia allaitant son nouveau-né et une louve faisant de même avec ses petits dans la case juste en dessous.
Enfin, on retrouve cette tendresse dans les échanges de regards qui ponctuent le reste de la page : la louve regarde Thorgal, puis Thorgal regarde Aaricia et, enfin, le couple réuni contemple sa petite fille.

Vous l’avez compris, j’apprécie cette page autant pour ce qu’elle raconte que pour la manière dont elle le raconte. Jean Van Hamme a toujours été un orfèvre en matière de narration. Il sait être précis et direct, sans jamais être lourd ni manquer de fluidité. Un exemple pour tous les scénaristes grand public.

De l’inflation du nombre de pages des albums BD

Je suis passée récemment en librairie pour découvrir les nouveautés. J’ai commencé à regarder les albums, à feuilleter… Je me suis arrêtée sur l’un d’eux. J’avais un bon a priori sur son auteur, dont j’avais déjà lu quelques livres. J’étais plutôt attirée par le thème de son nouvel album ainsi que son dessin et le début de narration entrevue au feuilletage. Il aurait fallu que je l’achète pour savoir si mon attirance était justifiée (ou pas).

Le souci, c’est qu’en regardant de plus près, j’ai remarqué que l’album, de plus de 100 pages, coutait presque 30€. J’aurais pu l’acheter, j’ai le budget pour ça. Mais je l’ai reposé.

Pourquoi ? Parce que j’ai trouvé exagéré de payer une telle somme pour une BD qui me décevrait peut-être (ou peut-être pas). Je vais donc attendre d’avoir des retours critiques de personnes de confiance pour savoir si je me décide ou pas… en espérant que ces personnes de confiance ne vont pas le reposer comme moi.

Maintenant, je ne peux m’empêcher de me demander combien de lecteurs potentiels font comme moi et commencent à trouver les prix des BD excessifs pour tenter de nouvelles expériences, découvrir de nouveaux auteurs ou de nouveaux récits. Les études du CNL nous disent que le nombre de lecteurs baisse en continue. Mais combien de lecteurs perdons-nous, en ce moment-même, à jouer le jeu de l’album toujours plus gros, toujours plus cher ?

 

Parce que, tu comprends, on manque de femmes…

En 2015, l’enquête des États généraux a montré que les autrices étaient moins invitées en festival que les auteurs, qu’elles participaient à moins de tables rondes, étaient moins exposées et recevaient globalement moins de prix. Aujourd’hui, même si rien n’est jamais parfait, les choses ont évolué. Les autrices participent davantage aux manifestations culturelles et sont, de manière générale, plus visibles.

Autrice moi-même, je ne peux que m’en féliciter. Je profite d’ailleurs du mouvement. J’ai eu le plaisir d’être conviée à de multiples salons et mise en avant dans plusieurs expositions. On m’a aussi proposé de participer à des débats thématiques, des jurys d’écoles de Bande Dessinée ou de prix, de donner des masters class…

Tout va donc très bien pour moi. Enfin presque. Quand je commence à discuter avec l’organisateur de la manifestation qui me contacte… Je dis « organisateur » parce que c’est un homme 90% du temps. Quand je commence à discuter avec lui donc, arrive très vite la vraie raison pour laquelle il m’invite. La moitié du temps, c’est « parce que, tu comprends, on manque de femmes ». Bon, je passe sur le fait que les autrices doivent représenter aujourd’hui le tiers, si ce n’est plus, des auteurs, et qu’il n’est donc pas si difficile d’en trouver. Je me retrouve donc invitée à un festival/une table ronde/un jury/… uniquement parce que je suis une femme. Parce qu’on veut mettre les femmes en avant pour réparer des années d’inégalité de traitement. Voire, largement pire, parce qu’il est de bon ton, de nos jours, d’avoir au moins une femme dans une manifestation, si on ne veut pas se faire épingler sur les réseaux sociaux comme ringard et sexiste.

Je suis donc conviée pour ce que je suis et pas pour ce que je fais. Mon travail, j’allais dire de manière ronflante « mon œuvre », n’a aucune importance. Que je sois une bonne autrice ou une autrice complètement nulle, que j’ai des choses intéressantes ou pas à dire, peu importe. Je suis une femme, je suis invitée. Et on me le dit, en plus. Sans que cela ait l’air de poser le moindre problème.

Eh bien, si. Je veux être appréciée pour mes albums, ma vision de la Bande Dessinée, le discours que je tiens sur notre art. Mon genre ne devrait avoir aucune importance. On devrait mettre en avant les autrices parce qu’on a, enfin, reconnu l’importance et la qualité de leurs œuvres et pas juste parce qu’« il faut mettre les femmes en avant ».

J’espère que cela viendra un jour prochain. On ne sait jamais, on n’est jamais à l’abri d’une bonne surprise.

Narration : une page d’Alinoë, le tome 8 de Thorgal

Christophe Bec termine ces jours-ci notre Thorgal Saga. Cela m’a donné envie de refeuilleter une énième fois les albums de Jean Van Hamme et Grzegorz Rosinski.

Je suis donc retombée sur cette page 40 d’Alinoë, le tome 8 de la série. Dans cet album, Aaricia et Jolan, restés seuls sur leur île (oui, c’est un album quasiment sans Thorgal !), affrontent un étrange garçon aux cheveux verts, Alinoë. Je ne vous spoilerai pas le fin mot de l’histoire mais j’espère que ce post vous donnera envie de la lire.

Voici donc la page 40. C’est le début de l’affrontement final entre Aaricia et Alinoë et, visiblement, c’est mal parti pour la mère de Jolan. Comme dans toutes les bonnes histoires d’horreur des années 80 (d’horreur tout public ici ), il faut que les héros passent par une phase désespérée avant de remporter la victoire finale sur les monstres qui les attaquent. Mais, ici, les auteurs ne se sont pas contentés de raconter leur histoire en mettant bout à bout leurs cases : ils ont aussi donné une dimension esthétique à leur page, dimension qui vient renforcer la puissance de ce qu’ils racontent et des émotions qu’ils veulent faire partager.

La page est divisée en 3 strips et 5 cases, symétrisés autour d’une diagonale allant du coin en haut à droite au coin en bas à gauche. La case 5 est l’écho de la 1 et la 4 de la 2. Autour de cette diagonale, on retrouve 3 fois Aaricia dans une position de plus en plus difficile. Parallèlement, les plans serrés alternent avec les plans larges. Tout cela participe à montrer le côté sans issue de la situation. Non seulement le danger se rapproche d’Aaricia, mais, en plus, elle n’a pas d’endroit où fuir. Elle est totalement encerclée. Elle est prisonnière de la page comme d’Alinoë.

À ce titre, la dernière case avec Jolan est une rupture avec le reste de la planche. Pourtant, les auteurs ont réussi à en faire un subtil rappel : Jolan est encerclé par les eaux comme sa mère l’est par ses ennemis. Mais l’effet de rupture reste dominant et il est, lui aussi, significatif : c’est de Jolan que viendra le salut d’Aaricia, c’est lui qui lui permettra finalement d’échapper à l’emprise d’Alinoë et de se sauver.

Narration : une page de Kogaratsu

Hier, l’envahissement de mon fil FB par des photos de Marc Michetz m’a appris sa mort. Je ne le connaissais pas personnellement mais j’avais lu, il y a quelques années, et beaucoup apprécié la série Kogaratsu qu’il avait réalisée avec Bosse au scénario.

Elle avait commencé en 1983, bien avant la grande mode du manga, 20 ans même avant la traduction du Lone wolf and Cub de Kazuo Koike et Goseki Kojima en français. Comme Ogami Itto, le loup solitaire, Nakamura Kogaratsu est un samouraï qui perd son maître et erre en rônin sur les routes du Japon du XVIIe siècle.

Je vous montre ici une page de l’histoire courte Le Pont de nulle part dessinée en 1988 et publiée en album 3 ans plus tard. Contrairement à la page de d’Astérix que je vous ai présentée il y a quelques temps où il n’y avait que des bulles et pas dessin (voir ici ), ici, on a une page illustrée mais complètement muette. La narration BD peut tout à fait se passer de cartouche et de dialogues pour transmettre un message.

La page se divise en 2 partie égales. La première est une seule grande case qui nous décrit la situation de départ : Kogaratsu, de face à l’arrière-plan, découvre un combattant qui tourne le dos au lecteur et semble bizarrement attendre devant un pont détruit, qui ne mène nulle part. Un homme très mystérieux donc. Michetz a dessiné ces deux samouraïs au milieu d’un site très riche et très évocateur du Japon où la ruine le dispute en élégance à la nature qui l’entoure (rochers, arbres, ciel).

Ce décor posé, il n’y a plus besoin d’y revenir ensuite. Michetz peut se concentrer sur ses personnages. La deuxième partie de la page se concentre sur leurs regards. Ils se jaugent, sans un mot, avant de s’affronter. Mais, si au centre on a deux petites cases avec les yeux de chacun des adversaires, le reste des cases qui les entourent est consacrée à ce que regarde Kogaratsu : le visage fermé de son futur opposant, ses armes et finalement, son étendard. Celui-ci pourrait briser le silence de la page mais l’inscription qu’il porte est en japonais, c’est-à-dire que lecteur ne la comprendra sans doute pas. Elle ne lui dira rien et restera un accessoire décoratif. Il faudra attendre la page suivante pour apprendre qu’elle est une invitation à combattre son propriétaire.

Cette deuxième partie aurait pu être construite sur de parfaits effets de symétrie, mais cela l’aurait sans doute rendue très figée. Au lieu de cela, Michetz a mis en écho les cases avec le sabre et l’étendard avec deux petites cases au lieu d’une seule. Il a également décalé les yeux des deux hommes vers la gauche et les a placés légèrement par-dessus les autres cases. C’est cela qui donne de la vie à l’ensemble et rend plus intense le duel de regard.

Et ne pensez pas qu’on soit ici dans un effet cinématographique : c’est purement de la Bande Dessinée.

Tintin avant Tintin

En 1898, paraissait le premier album des aventures de Tintin ou plutôt de Tintin-Lutin.
Il s’agissait d’un recueil d’histoires courtes pour enfants créées par Benjamin Rabier et Fred Isly. Elles racontaient les bêtises et les tours joués à son entourage par un jeune garçon surnommé Tintin-Lutin.
Pourquoi ? L’introduction du livre nous répond :
« Ça ! c’est Tintin, oui, c’est Tintin-Lutin,
De son vrai nom il s’appelle Martin,
Mais sa maman lui donna ce surnom :
Car c’était un véritable démon,
Un diablotin remuant et peu sage ;
Du reste, ça se lit sur son visage. »
Bref, un caractère à l’opposé de celui du héros d’Hergé qui n’a jamais caché son admiration pour Benjamin Rabier ni l’influence qu’il eut sur lui.

Narration : Vagabond des limbes et mise en abyme

Le scénariste Christian Godard nous a quittés la semaine dernière. Parmi toutes ses nombreuses séries, j’ai toujours eu un faible pour Le Vagabond des limbes qui commence à paraître en 1975.

Dans ce long récit de science-fiction pour le moins déjanté, Axle Munshine parcourt l’univers en quête du bonheur, accompagné de son « petit clown » préféré, Musky, l’ado éternel à la recherche d’un adulte qui lui donnerait envie de grandir.

Les idées narratives et visuelles sont très nombreuses dans la série et c’est dur de ne vous montrer qu’une seule page. Dans celle qui se trouve ci-dessous, la planche 28 du tome 1, Axle découvre ce qui le fascine chez une jeune femme vue en rêve : elle lit une bande dessinée… celle même que le lecteur tient en main ! Rejoindre la belle Chimeer et son album devient alors, bien sûr, l’obsession d’Axle.

Ici la mise en abyme n’est pas qu’une figure narrative amusante : elle participe au « fond » du récit, à son histoire, autant qu’à sa « forme ». Elle pose même la bande dessinée en moteur de l’aventure, en objet-art méritant qu’on passe sa vie à le chercher, comme on le ferait avec un être aimé. Peut-être même est-il moins chimérique que l’amour qui sait ? Je vous laisse répondre (vous avez 4h)

Narration : une page d’Astérix sans dessin

L’immense, l’incomparable René Goscinny est mort le 5 novembre 1977 à Paris.

C’est l’occasion de vous (re)montrer la première page de La grande Traversée, le tome 22 d’ Asterix .
Des cases entièrement blanches (hors les bulles) pour montrer des Vikings perdus dans le brouillard des mers glacées, quelle grande idée narrative !