Les momies de Saint-Michel de Bordeaux

Hier, en préparant mon statut sur Maurice Tillieux, j’ai découvert que « La Disparition de M. Noble », une des histoires de « Félix », était inspirée des momies de Saint-Michel de Bordeaux, momies qui avaient fortement impressionné le petit Maurice alors qu’il visitait l’église vers l’âge de 11 ans.
Quoi ? Des momies à Bordeaux ???? Eh bien, oui 🙂

Avant la Révolution, se trouvait un cimetière paroissial à côté de l’église Saint-Michel – sous l’actuelle place Meynard pour les Bordelais. Mais en 1791, le Directoire du département ordonna sa suppression pour favoriser le développement urbain et/ou éviter de nouvelles épidémies. On découvrit alors une soixantaine de corps momifiés en bon état.

Ils n’avaient pas été embaumés et on ignore encore comment ils ont pu se conserver ainsi. On pensa un moment que c’était dû à l’argile contenu dans la terre. Mais lors de nouvelles fouilles en 2010, plus de 150 corps furent découverts à leur tour sur le site, mais aucun ne s’était transformé en momie.

Quoi qu’il en soit, plutôt que de réenterrer les momies ailleurs, on décida… de les exposer dans la crypte sous la tour Saint-Michel ! Il y en avait dix contre chacun des six côtés de la salle basse du caveau de la flèche.

Les corps restèrent là jusqu’à 1979 et devinrent une attraction touristique. De nombreux écrivains vinrent les voir de Victor Hugo à Ferdinand Céline en passant par Gustave Flaubert ou Jules Verne. Allan Kardec, le « codificateur du spiritisme », tenta même de communiquer avec la momie 48.

De nombreuses légendes naquirent de l’imagination des guides : une des momies était un général mort en duel, une autre un enfant enterré vivant, d’autres encore une famille entière empoisonnée par des champignons…

Mais le succès des momies causa leur perte : des touristes les touchaient et les abimaient, certains volaient même des morceaux de peau, voire des ossements.
En 1979, la crypte fut donc fermée au public. Onze ans plus tard, les dépouilles furent enfin transférées au cimetière de la Chartreuse.

Ci-dessous :
Deux cartes postales des momies de Saint-Michel de Bordeaux, circa 1905, auteur : Coutenceau.

Maurice Tillieux

Né le 7 août 1921 à Huy en Belgique, Maurice Tillieux veut d’abord être marin. À 16 ans, il essaie de prendre clandestinement un bateau pour les Etats-Unis avec un ami, mais ils sont heureusement rattrapés avant le départ du quai. Quelques années plus tard, il intègre la marine marchande. Mais, le jour où il doit embarquer à Bordeaux, les Allemands bombardent le port et le navire qui doit l’emmener en Amérique du sud est contraint de faire demi-tour.

Tillieux, qui n’a jamais eu de formation de dessin, se tourne alors seulement vers la Bande Dessinée. Ses premiers dessins étant refusés partout, il écrit plusieurs romans policiers, peint des publicités, dessine des moteurs électriques… En 1944, il entre enfin au journal « Bimbo » mais celui-ci disparaît après la guerre. Tillieux aurait alors pu entrer chez « Spirou » pour qui il a déjà fait des illustrations, mais Charles Dupuis n’apprécie pas son dessin et refuse de le publier davantage.
Il rejoint alors le journal « Jeep » où il commence vraiment à faire de la Bande Dessinée à plein temps : il doit fournir 12 planches chaque mois. Cela ne l’empêche pas de collaborer aussi avec d’autres périodiques comme « l’Explorateur » où il publie sa série « Achille et Boule-de-Gomme » par exemple.
En 1947, il entre à « Héroïc-Album » pour lequel il crée deux ans plus tard la série « Félix » qui renoue avec les intrigues policières et surtout qu’il signe, pour la première fois, de son vrai nom (et non d’un pseudonyme américain). Jusqu’en 1956, il produit plus de soixante histoires de son vagabond fétiche.

À cette date Tillieux entre (enfin) au journal « Spirou » après la disparition d’« Héroïc-album ». Il aurait aimé y poursuivre les aventures de « Félix » mais on lui demande une nouveauté. Il crée alors « Gil Jourdan », une série très proche de la précédente. Elle rencontre un beau succès auprès des lecteurs du journal, même si les ventes ne décollent pas vraiment jusqu’aux années 70. De plus, Maurice Tillieux a plusieurs fois des soucis avec la censure française : il doit répondre au ministère de l’Intérieur de la façon dont les deux premiers albums de « Gil Jourdan » se moquent de la police et abordent le problème de la drogue. La onzième aventure du détective français lui vaut de retourner au ministère avec Morris (entendu pour « Billy the kid »). On est en 1964 et « Le Gant à trois doigts » se déroule dans un pays arabe alors que la guerre d’Algérie est encore très présente dans les mémoires. Quoi qu’il en soit, la parution continue et l’album sort normalement deux ans plus tard.
Quelques années plus tôt, en 1960, Tillieux s’était lancé en parallèle dans une autre série : « César », pour le journal « le Moustique ». Les gags sont repris ensuite dans « Spirou » pour combler des vides dans les pages du périodique.
Dans toutes ces histoires, on retrouve le goût de Tillieux pour les automobiles américaines et françaises qu’il n’hésite pas détruire dans des scènes spectaculaires. On compte ainsi 47 véhicules détruits rien que dans « Gil Jourdan ».

Mais c’est surtout comme scénariste que Maurice Tillieux poursuit sa carrière dans les années 70. Après avoir abandonné le dessin de « Gil Jourdan » à Gos, il crée « Jess Long » pour Arthur Piroton et « Marc Lebut et son voisin » pour Francis. Il reprend aussi le scénario de « Tif et Tondu » avec Will au dessin et écrit des histoire de « la Ribambelle » pour Roba ainsi que quelques gags de « Boule et Bill ». Pour Vittorio Leonardo, il scénarise un récit d’ « Hultrasson », le Viking, pour Roger Leloup deux des « Aventures électroniques » de « Yoko Tsuno » et, pour Walthéry, trois histoires de « Natacha », l’hôtesse de l’air.

Enfin, ironie tragique, Maurice Tillieux qui aime tant les voitures, meurt des suites d’un accident le 2 février 1978.

Ci-dessous :
– Maurice Tillieux © Walthéry, trouvé sur le site Lambiek.net
– extrait du Gant à trois doigts, Gil Jourdan, 1966

Un homme fatal

Il n’y a pas que les femmes fatales comme Theda Bara dont je vous parlais hier. Il y a des hommes fatals aussi. Emily Brontë, née le 30 juillet 1818 en Angleterre, en créa un magnifique dans son unique roman « Wuthering Heights » (« Les Hauts de Hurlevent »), publié en 1847 : Heathcliff.

Ceux qui connaissent le roman peuvent sauter ce paragraphe. Pour les autres en voici l’argument : « Lorsque Mr Earnshaw ramène d’un voyage un enfant abandonné, Heathcliff, les réactions de ses enfants évoquent les orages qui s’abattent sur le domaine des Hauts du Hurlevent. Le fils Hindley n’accepte pas cet enfant sombre et lui fait vivre un enfer. La fille, Catherine, se lie très vite à lui, d’un amour insaisissable et fusionnel. Tous trois grandissent, dans cet amas de sentiments aussi forts qu’opposés. Heathcliff devient un homme sans scrupule, qui jure de se venger des deux hommes ayant empêché le déploiement de son amour : Hindley, le frère ennemi, et Edgar, le mari de Catherine. La destruction de ces deux familles et de leurs descendances constitue alors son seul objectif. »

Heathcliff ira très loin dans sa vengeance, séduisant ses victimes avant de leur infliger cruautés et humiliations avec la plus grande délectation.
Le voici parlant d’Hareton, le fils de son ennemi Hindley qu’il a recueilli tout enfant après le décès de son père :
« Hareton a répondu à mon attente. S’il eût été naturellement idiot, mon plaisir serait moitié moindre. Mais il n’est pas idiot ; et je peux sympathiser avec tous ses sentiments, les ayant éprouvés moi-même. Je sais très exactement ce qu’il souffre en ce moment, par exemple ; ce n’est d’ailleurs qu’un simple avant-goût de ce qu’il souffrira. Il ne sera jamais capable de sortir de son abîme de grossièreté et d’ignorance. Je le tiens mieux que ne me tenait son coquin de père, et je l’ai fait descendre plus bas, car il s’enorgueillit de son abrutissement. Je lui ai appris à mépriser comme une sottise et une faiblesse tout ce qui n’est pas purement animal. Ne croyez-vous pas que Hindley serait fier de son fils, s’il pouvait le voir ? Presque aussi fier que je le suis du mien. Mais il y a une différence : l’un est de l’or employé comme pierre de pavage, l’autre du fer-blanc poli pour jouer un service en argent. Le mien n’a aucune valeur en soi ; pourtant j’aurai le mérite de le pousser aussi loin qu’un si pauvre hère peut aller. Le sien avait des qualités de premier ordre, elles sont perdues ; je les ai rendues plus qu’inutiles, funestes. Moi, je n’ai rien à regretter ; lui, il aurait à regretter plus que qui que ce soit. Et le plus beau est que Hareton m’est attaché en diable ! Vous conviendrez qu’ici j’ai surpassé Hindley. Si ce défunt drôle pouvait sortir de sa tombe pour me reprocher mes torts envers sa progéniture, j’aurais l’amusement de voir ladite progéniture le repousser et s’indigner qu’il ose médire du seul ami qu’elle ait au monde.
Heathcliff laissa échapper un rire de démon à cette idée. »

Laurence Olivier dans le rôle d’Heathcliff en 1939. © Samuel Goldwyn Pictures

Le Serpent du Nil

On le sait depuis Eve et le serpent, la femme est aussi dangereuse que séduisante. Au début du 20e s, apparut un nouvel avatar de cette pernicieuse créature : la « vamp », la femme fatale version gothique.

Bien avant la Vampira du « Plan 9 from outer space » d’Ed Wood (1959) ou plus sérieusement les personnages incarnés par Marlène Dietrich, Theda Bara fut la première vamp du cinéma.
L’actrice était née le 29 juillet 1885 dans l’Ohio et s’appelait en fait Theodosia Burr Goodman. Mais c’était nettement moins évocateur. À l’époque, le Mal fait femme se devait d’être exotique. La peur de la séduction féminine rejoignait alors celle de l’étranger aux coutumes jugées étranges.
Le studio de Theodosia, la Fox Film Corporation, lui créa donc son personnage de Theda Bara, surnommée, « the siren of the Nile », traduit en France par « le Serpent du Nil ». Theda était censée être née au Caire d’un sculpteur italien et d’une actrice française, deux nationalités de séducteurs, comme le veut le cliché. Bien sûr, Theda avait une chambre de sultane, elle aimait les crânes humains en décoration et avait des pouvoirs surnaturels.

Elle joua son premier grand rôle en 1915 dans « A fool there was » (« Embrasse-moi, idiot ») de Frank Powell. Le film décrit la déchéance d’un riche diplomate qui perd famille et emploi après avoir rencontré une « vampire », une femme séduisant les hommes pour les abandonner et détruire leur vie. Theda joua ce personnage, l’archétype qui donna son nom à la fameuse « vamp ». Il la rendit célèbre et fit la fortune du studio.

Par la suite, elle tourna une quarantaine d’autres films dont l’un rencontra, en 1917, un succès encore plus grand qu’« A fool » . Il faut dire que Theda y incarnait la vamp ultime, une Orientale aussi rusée que puissante, donc forcément vénéneuse et déterminée à asservir tous les hommes passant à sa portée : la trop charismatique Cléopâtre. En plus de causer la perte de pauvres Romains (presque) innocents et bien incapables de résister à ses charmes, la reine d’Égypte se montrait dans des tenues qui valurent au film d’être censuré dès la proclamation du Code Hays en 1930.

Theodosia arrêta dès 1919 ce genre de rôle, mais elle ne retrouva plus jamais le succès. Hélas, la plupart de ses films furent détruits en 1936 dans l’incendie d’un entrepôt.

Ci-dessous :
– Theda Bara photographiée par Orval Hixon en 1921
– La même dans Cléopâtre

Un petit – 89,2 °C, ça vous tente ?

Voilà un anniversaire qui laisse rêveur alors qu’on nous annonce une nouvelle semaine de canicule : le 21 juillet 1983, fut relevée la température la plus basse jamais enregistrée à la surface de notre planète.
C’était à Vostok, la base antarctique russe, et il faisait – 89,2°C !

Diana Rigg

La future actrice Diana Rigg est née le 20 juillet 1938, à Doncaster.

Après une enfance partagée entre l’Inde et l’Angleterre, elle a étudié à la Royal Academy of Dramatic Art. Depuis, même si elle a acquis sa notoriété ailleurs, elle a surtout joué au théâtre des rôles dramatiques comme Médée dans la pièce éponyme d’Euripide, Mère Courage dans « Mère Courage et ses enfants » de Bertold Brecht ou Martha dans « Qui a peur de Virginia Woolf ? » d’Edward Albee.

Mais, tout le monde la connaît évidemment pour son interprétation d’Emma Peel dans la série « Chapeau melon et bottes de cuir » aux côtés de Patrick Macnee, entre 1965 et 1967.
A ce propos, elle a raconté seulement cette année qu’au début, elle gagnait « moins que le cameraman » et qu’elle avait assez mal supporté son statut de sex symbol : « Je me sentais rabaissée, parce que j’étais bien plus que cette simple image de femme sexy. D’ailleurs, la combinaison en cuir que je portais était très inconfortable, et me faisait transpirer beaucoup, ce n’était vraiment pas sexy. »

Tout cela et la volonté de ne pas se cantonner à un seul personnage l’ont amené à quitter la série et à faire « une erreur », comme elle le dit elle-même. Elle a accepté d’incarner Tracy, la femme de James Bond dans « Au services secrets de sa Majesté ».

Malgré ces expériences, disons, compliquées, Diana Rigg a continué à jouer pour le cinéma et la télévision jusqu’à aujourd’hui. En 2013, elle est revenue dans une série très populaire. Elle a interprété Olenna Tyrell dans « Game of Throne » durant 18 épisodes (un nombre respectable vu le taux de mortalité élevé des personnages). La même année, elle a joué aussi dans un épisode d’une autre série culte « Docteur Who : Le Cauchemar écarlate ».

Diana Rigg dans “Game of Throne” ©Le Parisien

Simone Veil

Annick Cojean : Quel est le pire que vous ayez entendu ?

Simone Veil : Les propos de Jean-Marie Daillet.

A. C. : Celui qui vous demande si vous accepteriez de jeter les embryons au four crématoire ?

S. V. : Oui. Je crois qu’ il ne connaissait pas mon histoire, mais le seul fait d’ oser faire référence à l’ extermination des Juifs à propos de l’ IVG était scandaleux. Et puis, il y avait tant d’ hypocrisie dans cet hémicycle rempli essentiellement d’ hommes, dont certains cherchaient en sous-main des adresses pour faire avorter leur maîtresse ou quelqu’ un de leurs proches.

Entretien de Simone Veil (13 juillet 1927 – 30 juin 2017) avec Annick Cojean, après le discours du 26 novembre 1974 dans lequel la ministre de la Santé présente au Parlement le projet de loi sur l’interruption volontaire de grossesse, qui dépénalise l’avortement.

Cette femme nous mène à la ruine !

Laissez-moi vous présenter aujourd’hui la dernière femme a avoir été « chef d’État » en France : María Eugenia Ignacia Agustina de Palafox-Portocarrero de Guzmán y Kirkpatrick, marquise d’Ardales, marquise de Moya, 20e comtesse de Teba dite Eugénie de Montijo, (oui, tout ça !) morte le 11 juillet 1920 à Madrid.

Épouse de Napoléon III, elle fut trois fois impératrice-régente en l’absence de son mari : pendant la campagne d’Italie en 1859, son voyage en Algérie en 1865, et surtout en juillet 1870, après la déclaration de guerre contre la Prusse.

Vous voyez cela date vraiment beaucoup, sans compter que cela tourna au désastre.

Plus belliciste que son mari, à l’instar de la cour et des milieux politiques français, Eugénie de Montijo l’encouragea à déclarer la guerre à la Prusse. Quand il vint lui annoncer que c’était fait, elle se mit à danser de joie avec leur fils. Voyant cela, un de leurs amis ne put s’empêcher de dire : « Cette femme nous mène à la ruine ! ».

En effet, l’armée prussienne était plus nombreuse, avait un matériel bien plus moderne et avait développé toute une stratégie à opposer aux Français. Car Otto von Bismarck, le ministre-président du royaume de Prusse espérait bien cette déclaration de guerre. Il pensait que seul un conflit contre la France permettrait aux principautés germaniques de s’unir en un seul « empire allemand ». Et c’est bien ce qui arriva.

Les troupes prussiennes vainquirent les Français à plusieurs reprise, notamment lors du désastre de Sedan, le 1er septembre 1870. Moins de deux mois après la déclaration de guerre, l’empereur, fait prisonnier, devait capituler.

L’impératrice-régente ne réussit pas à faire face. Le 4 septembre la République était proclamée. Eugénie de Montijo se réfugia en Angleterre et termina sa vie en exil.

De son côté, le nouveau Gouvernement de Défense nationale ne put redresser la situation face à la Prusse. Un armistice dut être signé le 28 janvier 1871. La France dut céder l’Alsace-Lorraine au nouvel empire allemand et payer une indemnité de guerre de 5 milliards de francs-or.

Ci-dessous :
Copie du portrait officiel de l’impératrice, par Franz Xaver Winterhalter, conservé actuellement au musée d’Orsay. Entre 1855 et 1870, l’État commanda 400 versions en pied de ce portrait pour l’exposer dans des bâtiments officiels. Le portrait original fut présenté lors de l’Exposition universelle de 1855 puis installé au palais des Tuileries. Il a disparu pendant l’attaque des lieux au moment de la Commune de Paris (1871)

Maillot, mon beau maillot

Ce week-end de grands départs en direction des plages, ayons une pensée émue pour Annette Kellerman.
Vous ne connaissez pas cette Australienne née le 6 juillet 1886 ? Ce fut pourtant la première actrice à apparaître entièrement nue dans un film hollywoodien : La Fille des dieux.

Mais ce n’est pas pour cela que je vous en parle aujourd’hui. Nageuse accomplie, elle milita pour le droit des femmes à pratiquer librement les sports aquatiques. Pour cela, elle devaient avoir le droit de porter un maillot de bain confortable et n’entravant pas la nage, contrairement à ceux qui étaient en usage au début du XXe siècle (voir ci-dessous).

La tenue qu’elle porte sur la photo de droite lui valut d’être arrêtée en 1907 à Boston pour indécence mais le juge trancha en sa faveur. Il reconnut que sa combinaison moulante était juste parfaitement adaptée à une pratique sportive. Cette décision, très médiatisée, contribua à l’évolution des mentalités. Le maillot de bain d’Annette Kellerman devint très courant dans les années 1920 et le sport féminin commença à se développer en parallèle.

À quoi bon un livre sans images, ni dialogues ?

Le 4 juillet 1865, était publié “Alice’s Adventures in Wonderland”, le conte de Charles Lutwidge Dodgson dit Lewis Carroll, professeur de mathématiques à Oxford.

J’imagine que vous en connaissez tous les principaux épisodes : la poursuite du lapin blanc, la rencontre avec Tweedledee et Tweedledum, la découverte du chat du Cheshire, le thé avec le chapelier toqué et le lièvre de Mars, la fuite devant la reine de cœur…
Chacun d’eux mériterait son statut sur cette page. Mais c’est autre chose qui m’a donné l’envie d’en faire un aujourd’hui.

Voici la première phrase de Carroll sur laquelle je suis tombée en faisant ma petite recherche : « À quoi bon un livre sans images, ni dialogues ? ». C’est Alice qui se pose la question en regardant sa sœur lire un de ces livres bien austères. Cela pourrait être la devise de l’auteur ou de l’amateur de Bande Dessinée. Lewis Carroll en aurait sans doute été un grand si elle avait existé à son époque.

On sait que les images étaient très importantes pour lui. Photographe amateur, il a lui-même choisi l’illustrateur de son Alice : John Tenniel alors connu pour ses caricatures dans le magazine Punch. Ses dessins donnent d’ailleurs un côté assez inquiétant au conte. Avec lui, si l’absurde garde le côté merveilleux qui sera mis en avant plus tard par Disney, il tombe aussi parfois dans une sorte de folie bien angoissante.


– Autoportrait de Lewis Carroll, 1855
– Portrait d’Alice Littell par Lewis Carroll. C’est pour elle qu’il improvisa la première version du conte en 1862, lors d’une promenade en barque.
– Illustrations de John Tenniel pour les Aventures d’Alice