Le Caravage

Le 29 septembre 1571 naissait à Milan un peintre qui m’a beaucoup marquée quand j’ai enfin vu ses œuvres « en vrai » pendant de mon voyage à Rome en 2014: Michelangelo Merisi da Caravaggio.
C’est évidemment son « goût des ténèbres » ainsi que la puissante de son réalisme qui m’ont frappée dans la solitude des galeries muséales ou la pénombre des églises.

Le Caravage connut un énorme succès dès les années 1600. Mais, en 1606, déjà bien connu de la justice du pape pour sa violence et ses excès, il tua un adversaire en duel. Il dut alors quitter Rome pour le sud de l’Italie et Malte. Il ne revint jamais dans la capitale italienne et mourut seulement quatre ans plus tard en Toscane toujours poursuivi par sa mauvaise réputation d’homme violent.

Elle lui valut d’être négligé par l’histoire de l’art jusqu’au début du XXè siècle, fait curieux autant qu’injuste vu l’influence qu’il eut sur de nombreux artistes postérieurs de Georges de La Tour (Post FB ) à Jacques Louis David dont « La Mort de Marat » s’inspire de la mise au tombeau conservée au Vatican et bien d’autres.

 

Les Saisons d’Archimboldo

Ça fait trop longtemps que je n’ai pas fait de statut « éphéméride ». Pour me faire pardonner, et puisque l’automne commence ce lundi 23 septembre, voici les Saisons du peintre milanais Giuseppe Arcimboldo.

Ces portraits grotesques d’hommes réalisés avec des fruits et légumes font rire depuis leur réalisation en 1573. L’empereur Maximilien II de Habsbourg les commanda à Archimboldo pour les offrir au puissant Auguste de Saxe dont les armes figurent sur la collerette de l’hiver.
Mais l’empereur ne voulait pas qu’amuser son allié. Il voulait surtout lui signifier tout l’étendue de son pouvoir et lui rappeler combien il lui était supérieur. L’empire Habsbourg se voulait alors semblable aux saisons : éternel et exerçant sa domination sur les hommes et tout le règne de la Nature.


Archimboldo, les saisons, 1573, musée du Louvre.
L’Hiver dialogue avec le printemps et l’été avec l’automne.
Les guirlandes de fleurs ont sans doute été ajoutées au XVIIe siècle.

L’esclave de Vélasquez

Diego Vélasquez (mort à Madrid le 6 août 1660), ce n’est pas que les Ménines ou le portrait du pape Innocent X. C’est plus de 150 œuvres répertoriées et sans doute beaucoup d’autres perdues. En choisir une seule à vous montrer n’était donc pas chose facile.

Finalement, j’ai pris ce (magnifique) portrait réalisé en 1649 à Rome. Vélasquez y avait été envoyé par le roi d’Espagne Philippe IV pour acheter des peintures pour lui. Il n’était pas venu seul. Il avait emmené avec lui son esclave maure Juan de Pareja. Ce dernier l’aidait dans son atelier sans doute depuis au moins une dizaine d’années. Il lui servit ici de modèle. Le tableau fut exposé dès mars 1650 dans le portique du Panthéon. Il remporta un énorme succès.
Peut-être est-ce cela qui incita Vélasquez a affranchir Juan de Pareja la même année, avec tout de même comme condition qu’il reste à son service quatre années supplémentaires. Ce temps révolu, l’ancien esclave se mit à son compte comme peintre indépendant et fit une belle carrière jusqu’à sa mort en 1670.

Ci-dessous donc : portrait de Juan de Pareja, 1649, Metropolitan Museum of Art, New York.

Du danger d’être un “athée évadé” en 1546

Il était très risqué d’être imprimeur au XVIe siècle. Rien qu’en 1546, 4 furent étranglés puis brûlés place Maubert à Paris. Parmi eux se détache Etienne Dolet exécuté le 3 août 1546, le jour de son trente-cinquième anniversaire.

Issu d’une famille bien en cour – on le dit même fils illégitime du roi François Ier -, il passe son enfance à Orléans avant d’aller étudier à Paris puis à Padoue, Venise et Toulouse. Il est banni de cette dernière université en 1534 après de violentes disputes avec d’autres étudiants. Ce n’est pas la dernière fois que son fort tempérament lui vaudra des ennuis.

En 1535, il prend la défense de l’humanisme paganisant attaqué par Erasme dans son dialogue satirique « Ciceronianus ». L’écrivain des Pays-Bas se moque des auteurs fascinés par l’Antiquité classique au point d’en oublier d’être chrétiens. Dolet lui répond également sous la forme d’un dialogue satirique et le dédie à François Ier.

Le roi semble apprécier : il accorde à Dolet pour 10 ans le privilège d’imprimer tout ouvrage en latin, grec, italien ou français, de sa plume ou sous sa supervision. Mieux, François Ier accorde au décidément bien violent Dolet, sa grâce pour l’homicide accidentel d’un peintre commis le 31 décembre 1536.

L’écrivain va alors s’installer à Lyon, place forte de l’imprimerie à cette époque. Il édite des textes jugés majeurs aujourd’hui comme ceux de Galien, Rabelais, Marot ainsi que le Nouveau Testament en latin mais aussi… des livres jugés hérétiques par l’Église. C’était prendre trop de risques: bien que ses propres opinions religieuses ne soient pas connues avec certitude, Dolet est arrêté pour « athéisme » en 1542. Heureusement, l’évêque de Tulle qui est aussi le directeur du Collège royal – le futur Collège de France – et le maître de la librairie du roi, intervient en sa faveur. Dolet sort de prison au bout de 15 mois.

Mais ce n’était pas son genre d’en rester là, ni celui de l’Église : il récidive… et il est à nouveau emprisonné en 1544. Il s’évade alors, parvient à gagner le Piémont… mais revient à Lyon pour imprimer des lettres en appelant à la justice royale. Il est encore arrêté et la faculté de théologie de Paris le juge comme « athée évadé ». Abandonné par François Ier, Dolet est finalement supplicié place Maubert. Il est étranglé puis brûlé avec ses livres !

Depuis, le malheureux Etienne Dolet n’a pas été oublié : il est devenu un martyr de la liberté de pensée et d’expression. Sa statue élevée en 1889 à l’endroit de son exécution était le point de rassemblement des anti-cléricaux et des libres-penseurs jusqu’à sa destruction en 1942 par l’administration pétainiste. La même année son buste qui trônait à Orléans est également enlevé et fondu. Ce qu’il représentait n’était pas exactement en accord avec l’idéologie du régime de Vichy.
Aujourd’hui, l’imprimeur est de retour dans de nombreuses villes. S’il n’a pas de nouvelle statue place Maubert, il a des rues, des collèges et même une station de métro à son nom.

Ci-dessous, la statue de 1889, place Maubert. Dolet est représenté mains liées, une presse d’imprimerie sous les pieds.

Bœuf écorché

Ce 2 août, c’est l’anniversaire de Saskia van Uylenburgh (1612 – 1642), l’épouse et le modèle du peintre Rembrandt. J’ai failli vous montrer son portrait en Flore… Mais je vous avoue que j’ai été beaucoup plus marquée par une autre œuvre du maître d’Amsterdam : “le Bœuf écorché” peint en 1655 et aujourd’hui conservé au Louvre.
Rembrandt a réalisé très peu de natures mortes. Celle-ci fait près d’un mètre de haut. Elle est encore beaucoup spectaculaire « en vrai » qu’en photo. Aujourd’hui encore, je ne sais pas trop si elle me plaît ou si elle me dégoute un peu.

Jolly roger

Pour en revenir aux “têtes de morts” 🙂

Le pavillon du célèbre pirate Barbe Noire (Edward Teach, 1680-1718) : un diable tenant dans une main une lance qui transperce un cœur, et dans l’autre, selon les versions, un sablier pour marquer la fuite du temps ou un verre pour trinquer avec le Diable.

De quoi alimenter bien des fictions romantiques.

Saint Pancrace

Laissez-moi vous présenter mon saint de glace préféré : saint Pancrace de Rome que l’on fête aujourd’hui.
Selon la tradition chrétienne, il fut décapité à 14 ans pendant les persécutions lancées par l’empereur Dioclétien au début du IVe siècle de notre ère. A la fin du IXe, il devint la patron des chevaliers en Allemagne.
Mais c’est surtout pour sa statue-reliquaire que j’apprécie Pancrace. Le squelette est enchâssé dans une armure baroque très théâtrale datant de 1777. Elle fut réalisée en argent rehaussé d’or par un orfèvre d’Augbourg, Franz Högger, sur ordre de la ville suisse de Wil où se trouvaient les reliques.

 

Vanité des vanités

Je suis très « tête de mort » ces temps-ci. Rassurez-vous, ce n’est pas parce que je déprime…Voici donc une Vanité de Philippe de Champaigne, réalisée vers 1671 et conservée au musée de Tessé au Mans (France).

Pour les curieux, une « vanité » est une peinture allégorique du caractère transitoire et vain de la vie humaine. Son nom vient du vers de l’Ecclésiaste dans l’Ancien Testament : « Vanité des vanités, tout est vanité ». En d’autres termes, la vie humaine est vaine : vide et inutile. Seule compte, la vie éternelle après la mort.
On trouve bien sûr des représentations de la mort dès l’Antiquité polythéiste mais les vanités proprement dites apparaissent au XVIIe siècle à un moment où Réforme et Contre-Réforme s’affrontent au sein de la Chrétienté et où on se pose plus que jamais des questions sur le sens de la vie. Philippe de Champaigne est lui-même un peintre proche des jansénistes, un mouvement religieux catholique rigoriste.
Ici, la tête de mort est simplement accompagnée d’un sablier et d’une fleur en train de faner, symboles du temps qui passe trop vite. Mais sur d’autres tableaux, on trouve aussi des livres, des bijoux, des armes ou encore du vin et des jeux pour illustrer la vanité du savoir, de la richesse, du pouvoir ou des plaisirs, toutes choses s’effaçant d’un coup devant la toute puissance de la mort.

La Mort de Léonard de Vinci

Léonard de Vinci est mort à Amboise le 2 mai 1519. La tradition qui veut qu’il se serait éteint dans les bras du roi François 1er est sans doute fausse. Le souverain était à ce moment-là à Saint-Germain-en-Laye où il signa plusieurs ordonnances (lois valables dans tout le royaume) la même semaine.

Il n’en reste pas moins que le roi était fasciné par le peintre italien. C’est lui qui le fit venir en France en 1515 pour le prendre à son service comme « « premier peintre, premier ingénieur et premier architecte du roi » avec une pension de mille écus par an.
Déjà malade à cette époque, Léonard de Vinci vit sa santé décliner rapidement. En 1517, il développa une paralysie partielle de la main droite et mourut seulement deux ans plus tard.

Comme j’aime bien taquiner mes amis lecteurs de ce mur, je vous propose aujourd’hui « La Mort de Léonard de Vinci » peint par Jean-Auguste-Dominique Ingres en 1818 et conservé au Petit Palais à Paris.
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