SIte officiel de Valérie Mangin, scénariste de Bande Dessinée
Le mois d’octobre est traditionnellement celui de la récolte des pommes de terre depuis qu’elles sont cultivées en Europe, comme le montre le tableau de Bastien Lepage ci-dessous.
Mais question représentation, j’ai un petit faible pour l’étonnante poterie que je vous présente à côté. Elle représente Oxamama, la déesse inca des pommes des terre.
Le 4 septembre 476 est la date qu’on considère de manière traditionnelle comme marquant la fin de l’empire romain d’Occident.
Ce jour-là, le petit empereur Romulus Augustule était déposé par le chef de guerre Odoacre qui renvoya ensuite les insignes impériaux à Zénon, l’empereur d’Orient.
Romulus, à peine âgé de 14 ans, avait été proclamé empereur d’Occident par son père, Oreste, le commandant suprême de l’armée romaine, après un coup d’État en octobre 475. C’est, bien sûr, ce dernier qui gouvernait en réalité.
Quelques mois après sa prise de pouvoir, Oreste dut faire face à une révolte de mercenaires menés par Odoacre, un prince skire — un peuple de Germains originaire du nord-est de la Pologne actuelle. Pour prix de leurs services, ils réclamaient le tiers des terres de la péninsule italienne ! Oreste refusa de les leur donner mais en vain. Le 28 août 476, ils remportèrent à Plaisance la victoire décisive sur ses troupes et il fut rapidement exécuté.
Odoacre se dirigea ensuite vers Ravenne où demeurait Romulus Augustule – les empereurs avaient abandonné Rome depuis longtemps. Il l’atteignit le 4 septembre et obligea le jeune empereur à abdiquer immédiatement. Celui-ci était de toute façon incapable de commander une armée et manquait de soutien parmi une population qui n’avait plus rien contre « les Barbares » depuis longtemps.
Après sa déposition, Romulus ne fut sans doute pas exécuté – preuve du peu de considération qu’Odoacre lui portait. Le Germain lui accorda sans doute une rente (!) et l’envoya vivre chez des parents en Campanie. Il semble finalement avoir habité plus d’une trentaine d’années au Castellum Lucullanum, une villa fondée par Lucullus, un général contemporain de César, transformée en fort puis en monastère.
Ci-dessous, je vous propose le tableau peint par Jean-Paul Laurens en 1880. Il n’est pas censé représenter Romulus, mais un autre empereur d’Occident : Honorius, avec un apparat très oriental. Mais je vous avoue qu’à chaque fois que je vois cet enfant avec ces insignes impériaux trop grands pour lui, je ne peux m’empêcher de penser plutôt au « dernier empereur d’Occident ».
Voici une des dernières œuvres de Diego Vélasquez, mort le 6 août 1660. Je l’aime beaucoup, comme vous savez si vous me suivez : je vous ai déjà montré plusieurs tableaux de lui.
Celui-ci a été peint vers 1657 pour un homme de cour espagnol : Pedro de Arce. Très abîmé par le temps, il a dû être fortement restauré dans les années 1980. Celui-ci a été peint vers 1657 pour un homme de cour espagnol : Pedro de Arce. Très abîmé par le temps, il a dû être fortement restauré dans les années 1980. Il est aujourd’hui exposé au musée du Prado à Madrid.
Contrairement à ce que laissent penser les vêtements des femmes et les décors, il représente une légende antique, une des métamorphoses racontées par le poète latin Ovide.
La jeune Arachné était une excellente tisserande mais son talent lui monta à la tête. Elle prétendit être meilleure que Minerve, la déesse de l’intelligence et des artisans. Furieuse de cette arrogance, Minerve proposa un concours à Arachné.
Au premier plan du tableau de Vélasquez, on les voit toutes les deux à l’ouvrage avec leurs assistantes. Derrière elles, dans la lumière, on a l’issue du concours : les tapisseries sont accrochées au mur et des femmes les jugent.
Minerve regarda attentivement l’œuvre de sa rivale mais ne réussit pas à y trouver un seul défaut. Cela la mit encore plus en colère : elle frappa Arachné et mit le merveilleux tissu en pièces. Humiliée, désespérée par le saccage de sa plus belle création, la jeune fille se pendit. Alors seulement, Minerve la prit en pitié. Elle la ressuscita et… la transforma en araignée pour qu’elle puisse passer le reste de sa vie à tisser.
Voir aussi :
Ce jeudi, les Chrétiens célèbrent une fête qui nous vaut d’avoir un jour férié: l’Ascension.
Selon la liturgie, l’Ascension, comme son nom l’indique, commémore la montée du Christ au Ciel au terme de sa dernière rencontre avec ses apôtres, quarante jours après sa résurrection à Pâques.
Ce motif de l’ascension est assez courant dans les religions et mythologies antiques. Avant le Christ, les prophètes Moïse, Hénoch ou Isaïe mais aussi les héros Romulus et Heraclès, ou même les empereurs romains divinisés à leur mort sont censés avoir rejoint le ciel.
Les quarante jours qui séparent l’Ascension du Christ de Pâques (et qui font que la fête d’aujourd’hui tombe toujours un jeudi) rappellent d’autres événements bibliques ayant eu la même durée : la tentation du Christ dans le désert, le séjour de Moïse sur le mont Sinaï où il reçoit les tables de la loi, le temps que passe Noé dans l’arche pendant le déluge…
L’Ascension est en général interprétée par les Chrétiens comme la fin de la présence terrestre du divin et la promesse que tous les fidèles pourront un jour, à leur tour, monter au Ciel.
Ci-dessous l’Ascension, dans Les très Riches Heures du duc de Berry, vers 1410-1411, Musée Condé de Chantilly.
Des très riches Heures du duc de Berry, vous pouvez découvrir aussi :
les différents mois du calendrier : janvier, février, mars, avril, mai, juillet, août, septembre, octobre, novembre , décembre.
Un étonnant « homme zodiacal »
Je cherchais de qui j’allais vous faire la petite biographie ce soir – Marguerite de Valois alias « la reine Margot » ? Alberte-Barbe d’Ernécourt alias « l’Amazone lorraine » ? Margarita Carmen Cansino alias « Rita Hayworth » ? – quand je suis tombée sur l’improbable fiche biographique d’une héroïne du net morte le 14 mai 2019 : Tardar Sauce alias « Grumpy Cat. »
Je vous mets sa photo ci-dessous, mais n’en demandez pas plus… Ah si juste un chiffre pour vous faire rêver : en 2017, sa page FB officielle avait 8 700 000 fans. Voilà… Voilà… Voila…
Pour renouer avec mon éphéméride, voici les deux tableaux du peintre Francisco Goya commémorant les tragiques événements madrilènes des 2 et 3 mai 1808.
Le 2 mai, le peuple de la capitale espagnole se révolta contre Joseph Bonaparte que son frère Napoléon avait installé sur le trône ibérique. Sur le tableau de Goya, El dos de mayo de 1808 en Madrid, on voit les Espagnols attaquer les mamelouks de la Garde impériale, des cavaliers venus d’Égypte.
Ce soulèvement fut un échec et fut très durement réprimé. Sur le second tableau, El tres de mayo de 1808 en Madrid, des soldats français exécutent les révoltés fait prisonniers. Ils furent près de 400 à être ainsi fusillés.
Mais loin de mettre fin à la résistance des Espagnols, cette répression enflamma tout le pays. Elle marqua le début d’une véritable guerre d’indépendance qui fut elle, un succès. Six ans plus tard, les Français durent quitter l’Espagne pour ne pas y revenir.
Élisabeth Vigée Le Brun naît le 16 avril 1755 à Paris d’un père pastelliste qui meurt stupidement douze ans plus tard après avoir avalé une arrête de poisson.
Très tôt passionnée par le dessin et la peinture, « Mlle Vigée » se fait rapidement remarquer : elle entre à l’Académie Saint-Luc dès 1774 et est admise à travailler à la cour de Louis XVI deux ans plus tard. Son agent, Jean-Baptiste Lebrun, un joueur et un libertin notoire, la demande en mariage. Elle accepte contre l’avis de tout son entourage, sans doute pour se débarrasser de son beau-père qui a pour habitude d’accaparer tous les revenus tirés de la vente de ses tableaux.
En 1778, elle devient la peintre officielle de la reine Marie-Antoinette et commence à la peindre d’après nature. Elle va alors de succès en succès : elle ouvre une académie, une salle des ventes, tient un salon à la mode. En 1783, elle est même admise à l’Académie royale de sculpture et de peinture (contre la volonté du premier peintre du roi qui ne veut pas d’une femme, épouse de surcroit d’un simple marchand de tableau).
La même année, elle propose pour la première fois une œuvre au Salon : Marie-Antoinette à la rose. Le tableau fait scandale : la reine est représentée dans une robe en mousseline qui fait plutôt partie du linge de corps, des sous-vêtements de l’époque. Élisabeth Vigée Le Brun doit retirer son œuvre et accrocher un autre portrait de la reine dans une robe plus conventionnelle.
Elle est alors au sommet de la gloire et… de l’impopularité. Elle partage la mauvaise réputation de la reine et de la cour en général. On l’accuse d’avoir des liaisons avec plusieurs courtisans, des lambris d’or dans son hôtel, d’allumer son feu avec des billets de caisse ( = de banque)…
À l’été 1789, elle est hors de Paris quand des sans-culottes déversent du souffre dans les caves de son hôtel particulier et essaient d’y mettre le feu. En octobre, alors que la famille royale est ramenée de force à Paris, Élisabeth Vigée Le Brun quitte Paris avec sa fille, laissant tous ses biens à son mari. Elle va d’abord en Italie où elle reste plusieurs années puis voyage dans toute l’Europe en continuant à peindre abondamment pour gagner sa vie.
Elle ne rentre à Paris qu’en 1802. Mais elle peine à y retrouver sa place. Elle continue à voyager beaucoup jusqu’en 1809. Là, elle s’installe à Louveciennes et recommence à fréquenter les artistes à la mode. Mais elle ne retrouve jamais le succès qui fut le sien avant la Révolution. Son mari, dont elle a divorcé entre temps meurt en 1813 et elle sombre petit à petit dans la misère. Pire, elle perd progressivement la vue jusqu’à sa mort en mars 1842.
Élisabeth Vigée Le Brun a peint au total 900 tableaux dont 660 portraits (une cinquantaine d’auto-portraits). Mais, si elle connaît un grand succès de son vivant, son style est jugé souvent « mièvre » au XIXe siècle par les historiens de l’art. Ils lui reprochent surtout d’être restée « royaliste » jusqu’à sa mort.
Elle est ensuite jugée très sévèrement par les féministes telles Simone de Beauvoir : « Au lieu de se donner généreusement à l’œuvre qu’elle entreprend, la femme la considère comme un simple ornement de sa vie ; le livre et le tableau ne sont qu’un intermédiaire inessentiel, lui permettant d’exhiber cette essentielle réalité : sa propre personne. Aussi est-ce sa personne qui est le principal — parfois l’unique — sujet qui l’intéresse : Mme Vigée-Lebrun ne se lasse pas de fixer sur ses toiles sa souriante maternité » (Le deuxième sexe, 1949)
Aujourd’hui, si la question de la maternité comme identité féminine et du narcissisme dans son œuvre demeure, les féministes la replacent davantage dans le contexte historique qui la vu naître et s’intéressent à sa place de « femme artiste » dans une société où l’étude des Beaux Arts est quasi interdite aux femmes, où les liens clientélistes sont essentiels et où la réputation personnelle et les relations avec les collègues masculins conditionnent toute une carrière.
Le 10 avril 1912, le Titanic quittait Southampton pour New York. Comme vous le savez, tout ne se passa pas comme prévu ensuite. Le naufrage qui fit plus d’un millier de victimes frappa fortement l’opinion. La rencontre avec l’iceberg sembla à beaucoup trop improbable pour être vraiment fortuite… Non, il fallait qu’une malédiction se soit abattue sur le navire et ses passagers.
Or John Jacob Astor, un des hommes les plus riches d’Amérique, se trouvait sur le bateau après avoir fait scandale quelques mois auparavant. Il avait divorcé de son épouse pour se remarier aussitôt avec la charmante Madeleine Talmage Force de 30 ans sa cadette. Pour échapper aux pressions en tous genres, ils étaient allés passer leur lune de miel en Égypte… De là, à imaginer que le couple sulfureux en ramenait une momie maléfique et meurtrière, il n’y avait qu’un pas aisé à franchir !
La rumeur s’en répandit à l’époque. D’autant que John Jacob était mort noyé (entraîné vers le fond par la momie ?) et ne pouvait plus démentir. Mais je vais devoir vous décevoir : depuis, on a bien vérifié : il n’y avait aucune momie enregistrée dans le manifeste du navire. C’est bien le seul iceberg, le coupable.
Puisque Gustave Moreau est né le 6 avril 1826, c’est l’occasion pour moi de vous montrer l’œuvre qui le rendit célèbre au Salon de 1864 : Œdipe et le Sphinx, conservé aujourd’hui au Metropolitan Museum of Art.
Ce fut un coup de tonnerre dans le milieu des jeunes peintres chez qui la mode était alors au réalisme et au naturalisme. Alors qu’il était de bon ton d’admirer Le Déjeuner sur l’herbe présenté l’année précédente par Édouard Manet et d’annoncer la mort de la peinture d’Histoire, Moreau a délibérément choisi un sujet mythologique classique et développé un style archaïsant, proche de celui d’Andrea Mantegna, un peintre italien du XVe siècle. Le choc fut tel que les caricaturistes s’amusèrent à représenter le Sphinx de Moreau en train d’empêcher de dormir Gustave Courbet.
Chacun a l’époque connaissait l’anecdote mythique qui inspirait le tableau. Le maléfique Sphinx gardait un carrefour menant à la ville de Thèbes et posait invariablement la même énigme aux voyageurs qu’il croisait. Comme ceux-ci n’arrivaient pas à en trouver la solution, il les dévorait sans pitié. Aussi quand Œdipe vint à passer, il lui demanda comme aux autres : « Qu’est-ce qui marche sur quatre pieds le matin, deux l’après-midi et trois le soir ? ». Et, bien sûr, Œdipe trouva la réponse (que je vous laisse deviner 🙂 ). Fou de rage, le Sphinx alla se jeter du haut d’un rocher. Le héros continua sa route vers la ville. Pour le remercier de l’avoir délivrée du monstre, on lui accorda la main de la reine-veuve Jocaste qui se révélera être en fait sa mère. Mais c’est une autre histoire…
Comme le Sphinx était de sexe féminin, certains critiques ont voulu voir dans le tableau l’illustration du thème de la femme fatale et de la guerre des sexes plus que de celle du Bien contre le Mal évoquée habituellement. Moreau, lui, en peintre résolument symboliste, donnait ainsi le message contenu dans son œuvre : « Voyageur à l’heure sévère et mystérieuse de la vie, l’homme rencontre l’énigme éternelle qui le presse et le meurtrit. Mais l’âme forte défie les atteintes enivrantes et brutales de la matière et, l’œil fixé sur l’idéal, il marche confiant vers son but après l’avoir foulée aux pieds. »
Née le 28 mars 1912 d’une professeure et d’un chanteur d’opéra, Marina Raskova s’orienta vers une carrière de chimiste mais elle ne resta pas longtemps dans l’industrie soviétique. Ayant obtenu son brevet d’aviatrice, elle devint pilote d’essai en 1937 et entra au NKVD, l’ancêtre du KGB deux ans plus tard.
Entre temps, elle était devenue célèbre en survivant à un vol vers Komsomolsk qui s’était terminé en catastrophe : elle avait dû s’éjecter de son avion et, selon la légende, avait survécu dix jours dans la neige en mangeant seulement deux barres au chocolat.
Devenue à cette occasion une intime de Staline, elle forma à sa demande trois escadrons composés uniquement de femmes durant le Deuxième Guerre Mondiale. L’un d’eux, le 588e, servit à Stalingrad et devint fameux sous le surnom donné par les Allemands de « Sorcières de la nuit », à cause de ses attaques nocturnes.
Mais c’est aussi durant la bataille de Stalingrad que Marina Raskova trouva la mort le 4 janvier 1943 à seulement 30 ans : son avion heurta une falaise pendant une tempête de neige. Staline organisa des funérailles nationales à celle qui était devenue « une héroïne de l’Union soviétique » et fit placer ses cendres dans la nécropole du mur du Kremlin.
