Les 2 et 3 mai à Madrid, 1808

Pour renouer avec mon éphéméride, voici les deux tableaux du peintre Francisco Goya commémorant les tragiques événements madrilènes des 2 et 3 mai 1808.

Le 2 mai, le peuple de la capitale espagnole se révolta contre Joseph Bonaparte que son frère Napoléon avait installé sur le trône ibérique. Sur le tableau de Goya, El dos de mayo de 1808 en Madrid, on voit les Espagnols attaquer les mamelouks de la Garde impériale, des cavaliers venus d’Égypte.

El dos de mayo de 1808 en Madrid, 1814, Musée du Prado

Ce soulèvement fut un échec et fut très durement réprimé. Sur le second tableau, El tres de mayo de 1808 en Madrid, des soldats français exécutent les révoltés fait prisonniers. Ils furent près de 400 à être ainsi fusillés.

El tres de mayo de 1808 en Madrid, 1814, Musée du Prado

Mais loin de mettre fin à la résistance des Espagnols, cette répression enflamma tout le pays. Elle marqua le début d’une véritable guerre d’indépendance qui fut elle, un succès. Six ans plus tard, les Français durent quitter l’Espagne pour ne pas y revenir.

 

La Mort Saint-Innocent

Pour contraster avec les belles déesses d’hier et faire un clin d’œil à ceux d’entre vous qui avaient aimé le transi de René de Chalon, voici la Mort Saint-Innocent.

Cette sympathique statue d’1,20 mètre se trouve actuellement au Musée des monuments français. J’aurais aimé m’en servir dans un prochain Jhen mais elle est trop récente : elle a été sculptée et placée au cimetière des Innocents, le fameux charnier du centre de Paris, vers 1530.

Son auteur est inconnu malheureusement. Le bras levé est de son restaurateur du XIXe siècle. Comme je vous le disais à propos de l’Adam de Notre Dame il y a quelques jours, on n’hésitait pas à l’époque à « inventer » et « modifier » les œuvres qu’on voulait restaurer.

Pour les curieux, une longue inscription donne la parole à la Mort sur le bouclier :

« Il n’est vivant tant soit plein d’art
Ne de force pour resistance
Que je ne frappe de mon dard
Pour bailler aux vers leur pitance
Priez Dieu pour les trepasses »

Les deux visages d’Artémis

Il y a une déesse dont je n’ai pas encore parlé dans Alix senator mais qui le mériterait bien, c’est Diane/Artémis, la déesse gréco-romaine de la chasse, sœur d’Apollon, le dieu sauvage cher à Jacques Martin.

Comme son frère elle a de multiples visages, du plus classique au plus inquiétant.
Ci-dessous, je vous montre l’Artémis grecque telle qu’on se l’imagine : la chasseresse accompagnée d’une biche à la beauté sans défaut.

Statue d’Artémis à la biche, dite Diane de Versailles, peut-être inspirée d’un original grec du IVe siècle av. J.-C. par Léocharès. Œuvre romaine d’époque impériale. Son nom Diane de Versailles lui vient du fait que Louis XIV fait transférer la statue dans le château de Versailles, lieu qu’elle occupera jusqu’à son retour au Louvre en 1798.

Ci-dessous en revanche, on a une autre Artémis, plus orientale et étrange : l’Artémis priée dans le temple d’Éphèse, en Turquie actuelle.

Accompagnée de lions, elle porte sur son vêtement toutes sortes d’animaux qui témoignent de son statut de maîtresse des bêtes sauvages. Parfois on trouve aussi des plantes, des insectes, des animaux fantastiques (griffons, sphinx…)sur ses jambes ainsi que sur le nimbe divin qui entoure sa tête.

Mais le plus étonnant est peut-être le grand nombre de « mamelles » qui ornent sa poitrine. On les interprète souvent plutôt comme des testicules des taureaux qui lui ont été sacrifiés, symboles à la fois de fécondité et de domination de la déesse sur les mâles en tout genre.

Je vous laisse maintenant deviner celle que je préfère. 🙂

Statue de l’Artémis d’Éphèse, premier siècle avant notre ère, musée archéologique d’Éphèse (Turquie)

Adam… de Notre Dame

Voici bien une statue qu’on ne s’attendrait pas à trouver dans une église médiévale et pourtant ce nu masculin qui représente Adam, le premier homme, provient du bras sud du transept de Notre Dame de Paris.

Il a sans doute été réalisé vers 1260 par le sculpteur Pierre de Montreuil alors chargé de cette partie de la cathédrale. Il faisait pendant à une Ève entourant un Christ du Jugement dernier entouré d’anges.

Adam, de Pierre de Montreuil, vers 1260, musée de Cluny, Paris. © RMN-GP/cliché Hervé Lewandowski

Sa pose rappelle celle du type antique des « Vénus pudiques » et on interprète souvent son anatomie (hanches étroites, corps gracile et flexible, fesses rebondies) comme une adaptation en figure masculine d’une statue féminine. Son auteur avait-il vu les petits bronzes antiques qui circulaient à l’époque ? Ou bien disposait-il de carnets de modèles ? On ne le saura jamais.
En tout cas, ce type physique fut peu repris pas la suite : comme on le sait, les nus sont relativement rares dans l’art médiéval et on s’intéressait plus à l’époque au travail du vêtement, du drapé, qu’à celui du corps.

À noter aussi que l’Adam que nous connaissons aujourd’hui n’est pas exactement celui que le fidèles pouvaient admirer au XIIIe s : plusieurs parties du corps ont été reprises au XIXe s notamment les mollets et la main droite. À l’origine, celle-ci ne faisait pas un geste de bénédiction mais était refermée autour d’un objet, sans doute une pomme du jardin d’Eden.

Mourir à Pompéi

Je suis tombée par hasard la nuit dernière sur France 5 sur l’excellent documentaire Les dernières heures de Pompéi qui retrace la destruction d’un quartier de la ville au travers des dernières fouilles initiées en 2018. Si vous ne l’avez pas encore vu, n’hésitez pas à aller y jeter un coup d’œil sur le site de la chaîne. Il est encore disponible jusqu’au 26 avril (Ici : Les dernières heures de Pompéi )

La reconstitution de la vie quotidienne des habitants de Pompéi ainsi que de leur fin dramatique en octobre 79 sont vraiment réussies. Un peu trop même peut-être. Je vous avoue que je me suis encore laissée émouvoir par le triste sort des victimes du volcan ensevelies sous leur maison ou brûlées par les nuées ardentes.

Moulage photographié par Ken Thomas lors de l’exposition « A day in Pompeii », Charlotte, États-Unis.

Cela m’a donné envie de vous montrer ce soir le moulage du corps d’une des victimes de Pompéi. Il a été réalisé vers 1863 selon la méthode initiée par Giuseppe Fiorelli alors directeur des fouilles. On a versé du plâtre liquide dans l’espace laissé vide par la décomposition du corps dans les couches de pierre ponce et de cendres. On peut donc voir cet homme dans la position exacte dans laquelle il est mort, recroquevillé sur lui-même et sans doute conscient de vivre ses derniers instants. Enfin, je n’en sais rien… Mais j’ai du mal à ne pas me projeter devant un témoignage aussi émouvant de la catastrophe.

Fdj : Élisabeth Vigée Le Brun

Élisabeth Vigée Le Brun naît le 16 avril 1755 à Paris d’un père pastelliste qui meurt stupidement douze ans plus tard après avoir avalé une arrête de poisson.

Très tôt passionnée par le dessin et la peinture, « Mlle Vigée » se fait rapidement remarquer : elle entre à l’Académie Saint-Luc dès 1774 et est admise à travailler à la cour de Louis XVI deux ans plus tard. Son agent, Jean-Baptiste Lebrun, un joueur et un libertin notoire, la demande en mariage. Elle accepte contre l’avis de tout son entourage, sans doute pour se débarrasser de son beau-père qui a pour habitude d’accaparer tous les revenus tirés de la vente de ses tableaux.

Autoportrait de 1790, Florence, Corridor de Vasari.

En 1778, elle devient la peintre officielle de la reine Marie-Antoinette et commence à la peindre d’après nature. Elle va alors de succès en succès : elle ouvre une académie, une salle des ventes, tient un salon à la mode. En 1783, elle est même admise à l’Académie royale de sculpture et de peinture (contre la volonté du premier peintre du roi qui ne veut pas d’une femme, épouse de surcroit d’un simple marchand de tableau).

La Reine « en gaule », 1783, Collection of the prince Ludwig von Hessen und bei Rhein, Wolfsgarten Castle, Allemagne.

La même année, elle propose pour la première fois une œuvre au Salon : Marie-Antoinette à la rose. Le tableau fait scandale : la reine est représentée dans une robe en mousseline qui fait plutôt partie du linge de corps, des sous-vêtements de l’époque. Élisabeth Vigée Le Brun doit retirer son œuvre et accrocher un autre portrait de la reine dans une robe plus conventionnelle.

Elle est alors au sommet de la gloire et… de l’impopularité. Elle partage la mauvaise réputation de la reine et de la cour en général. On l’accuse d’avoir des liaisons avec plusieurs courtisans, des lambris d’or dans son hôtel, d’allumer son feu avec des billets de caisse ( = de banque)…

À l’été 1789, elle est hors de Paris quand des sans-culottes déversent du souffre dans les caves de son hôtel particulier et essaient d’y mettre le feu. En octobre, alors que la famille royale est ramenée de force à Paris, Élisabeth Vigée Le Brun quitte Paris avec sa fille, laissant tous ses biens à son mari. Elle va d’abord en Italie où elle reste plusieurs années puis voyage dans toute l’Europe en continuant à peindre abondamment pour gagner sa vie.

Elle ne rentre à Paris qu’en 1802. Mais elle peine à y retrouver sa place. Elle continue à voyager beaucoup jusqu’en 1809. Là, elle s’installe à Louveciennes et recommence à fréquenter les artistes à la mode. Mais elle ne retrouve jamais le succès qui fut le sien avant la Révolution. Son mari, dont elle a divorcé entre temps meurt en 1813 et elle sombre petit à petit dans la misère. Pire, elle perd progressivement la vue jusqu’à sa mort en mars 1842.

Autoportrait avec sa fille Julie, huile sur panneau, 1786, Le Louvre. Ce tableau fit également scandale à l’époque : on voit les dents d’Elisabeth. Ça c’est mal, c’est très mal : seuls les fous ou les ivrognes sourient ainsi… Les gens comme il faut sourient en serrant les lèvres.

Élisabeth Vigée Le Brun a peint au total 900 tableaux dont 660 portraits (une cinquantaine d’auto-portraits). Mais, si elle connaît un grand succès de son vivant, son style est jugé souvent « mièvre » au XIXe siècle par les historiens de l’art. Ils lui reprochent surtout d’être restée « royaliste » jusqu’à sa mort.

Elle est ensuite jugée très sévèrement par les féministes telles Simone de Beauvoir : « Au lieu de se donner généreusement à l’œuvre qu’elle entreprend, la femme la considère comme un simple ornement de sa vie ; le livre et le tableau ne sont qu’un intermédiaire inessentiel, lui permettant d’exhiber cette essentielle réalité : sa propre personne. Aussi est-ce sa personne qui est le principal — parfois l’unique — sujet qui l’intéresse : Mme Vigée-Lebrun ne se lasse pas de fixer sur ses toiles sa souriante maternité » (Le deuxième sexe, 1949)

Aujourd’hui, si la question de la maternité comme identité féminine et du narcissisme dans son œuvre demeure, les féministes la replacent davantage dans le contexte historique qui la vu naître et s’intéressent à sa place de « femme artiste » dans une société où l’étude des Beaux Arts est quasi interdite aux femmes, où les liens clientélistes sont essentiels et où la réputation personnelle et les relations avec les collègues masculins conditionnent toute une carrière.

Camille Claudel dans son atelier

Camille Claudel et Jessie Lipscomb dans leur atelier du N° 117 de la rue Notre-Dame-des-Champs, 1887.
J’avoue que plus que les sculptrices, c’est la statue qui m’attire sur cette photo. Étrange corps avec ses jambes d’écorché, ses bras mutilés, sa tête dodelinante comme percée de flèches. Une beauté martyre en quelque sorte.

Le Titanic et la momie

Le 10 avril 1912, le Titanic quittait Southampton pour New York. Comme vous le savez, tout ne se passa pas comme prévu ensuite. Le naufrage qui fit plus d’un millier de victimes frappa fortement l’opinion. La rencontre avec l’iceberg sembla à beaucoup trop improbable pour être vraiment fortuite… Non, il fallait qu’une malédiction se soit abattue sur le navire et ses passagers.

Le Titanic le 10 avril 1912, © F.G.O. Stuart

Or John Jacob Astor, un des hommes les plus riches d’Amérique, se trouvait sur le bateau après avoir fait scandale quelques mois auparavant. Il avait divorcé de son épouse pour se remarier aussitôt avec la charmante Madeleine Talmage Force de 30 ans sa cadette. Pour échapper aux pressions en tous genres, ils étaient allés passer leur lune de miel en Égypte… De là, à imaginer que le couple sulfureux en ramenait une momie maléfique et meurtrière, il n’y avait qu’un pas aisé à franchir !

Momie recouverte de ses “cartonnages », époque ptolémaïque, IIIe – IIe siècle avant J.-C.Louvre.

La rumeur s’en répandit à l’époque. D’autant que John Jacob était mort noyé (entraîné vers le fond par la momie ?) et ne pouvait plus démentir. Mais je vais devoir vous décevoir : depuis, on a bien vérifié : il n’y avait aucune momie enregistrée dans le manifeste du navire. C’est bien le seul iceberg, le coupable.

 

Pazuzu

Oui, amis amateurs de culture pop, le démon Pazuzu existait bien avant Adèle Blanc-Sec et le film L‘Exorciste.

Voici sa statuette conservée au musée du Louvre. Vous pouvez admirer sa tête de dragon, ses (quatre) ailes et ses pattes de rapace. Elle date du début du Ier millénaire avant notre ère.

À cette époque, Pazuzu était considéré par les Assyriens, un peuple vivant notamment dans l’Irak actuel, comme un démon maléfique. Il était lié aux vents d’ouest censés amener la peste. Mais cela ne l’empêchait pas d’être aussi souvent invoqué comme un bienfaiteur: il avait le pouvoir de chasser d’autres créatures maléfiques, notamment sa femme, Lamashtu, réputée apporter elle aussi bien des maladies.