Selon la mythologie grecque, le jeune dieu de l’Ivresse, Dionysos, fit un long voyage autour de la Méditerranée.
Un jour, se faisant passer pour un simple mortel, il prit un bateau tyrrhénien pour aller sur l’île de Naxos, dans les Cyclades. Mais il était tombé sur des pirates et bientôt ils changèrent de direction pour aller le vendre comme esclave en Orient.
Aussitôt, le dieu révéla sa vraie nature. Des flutes invisibles se mirent à retentir, des sarments de vignes envahirent le navire et les rames se changèrent en serpents. Paniqués, les marins se jetèrent à l’eau pour leur échapper et Dionysos les transforma alors en dauphins.
C’est ce récit qu’illustre l’étrange kalpis étrusque du VIe siècle avant notre ère ci-dessous.
Un “kalpis” est un vase servant à transporter de l’eau.
Avant le manga, il y avait le rouleau japonais ou plutôt l’emakimono.
Le Rouleau japonais, de James Tissot, 1873, National gallery of Canada
Il s’agit de rouleaux de papier ou de soie apparus au VIIIe siècle. Mesurant de quelques dizaines de centimètres à plusieurs mètres, ils racontent des histoires en juxtaposant des images et de courts textes.
Voici une des dernières œuvres de Diego Vélasquez, mort le 6 août 1660. Je l’aime beaucoup, comme vous savez si vous me suivez : je vous ai déjà montré plusieurs tableaux de lui.
Celui-ci a été peint vers 1657 pour un homme de cour espagnol : Pedro de Arce. Très abîmé par le temps, il a dû être fortement restauré dans les années 1980. Celui-ci a été peint vers 1657 pour un homme de cour espagnol : Pedro de Arce. Très abîmé par le temps, il a dû être fortement restauré dans les années 1980. Il est aujourd’hui exposé au musée du Prado à Madrid.
Contrairement à ce que laissent penser les vêtements des femmes et les décors, il représente une légende antique, une des métamorphoses racontées par le poète latin Ovide.
La jeune Arachné était une excellente tisserande mais son talent lui monta à la tête. Elle prétendit être meilleure que Minerve, la déesse de l’intelligence et des artisans. Furieuse de cette arrogance, Minerve proposa un concours à Arachné.
Au premier plan du tableau de Vélasquez, on les voit toutes les deux à l’ouvrage avec leurs assistantes. Derrière elles, dans la lumière, on a l’issue du concours : les tapisseries sont accrochées au mur et des femmes les jugent.
Minerve regarda attentivement l’œuvre de sa rivale mais ne réussit pas à y trouver un seul défaut. Cela la mit encore plus en colère : elle frappa Arachné et mit le merveilleux tissu en pièces. Humiliée, désespérée par le saccage de sa plus belle création, la jeune fille se pendit. Alors seulement, Minerve la prit en pitié. Elle la ressuscita et… la transforma en araignée pour qu’elle puisse passer le reste de sa vie à tisser.
Ce jeudi, les Chrétiens célèbrent une fête qui nous vaut d’avoir un jour férié: l’Ascension.
Selon la liturgie, l’Ascension, comme son nom l’indique, commémore la montée du Christ au Ciel au terme de sa dernière rencontre avec ses apôtres, quarante jours après sa résurrection à Pâques.
Ce motif de l’ascension est assez courant dans les religions et mythologies antiques. Avant le Christ, les prophètes Moïse, Hénoch ou Isaïe mais aussi les héros Romulus et Heraclès, ou même les empereurs romains divinisés à leur mort sont censés avoir rejoint le ciel.
Les quarante jours qui séparent l’Ascension du Christ de Pâques (et qui font que la fête d’aujourd’hui tombe toujours un jeudi) rappellent d’autres événements bibliques ayant eu la même durée : la tentation du Christ dans le désert, le séjour de Moïse sur le mont Sinaï où il reçoit les tables de la loi, le temps que passe Noé dans l’arche pendant le déluge…
L’Ascension est en général interprétée par les Chrétiens comme la fin de la présence de la présence terrestre du divin et la promesse que tous les fidèles pourront un jour, à leur tour, monter au Ciel.
Ci-dessous l’Ascension, dans les très Riches Heures du duc de Berry, vers 1410-1411, Musée Condé de Chantilly.
Je vous montre souvent la mort comme un squelette effrayant mais elle peut aussi être très séduisante, au moins en donner l’illusion, ainsi les fameuses sirènes de la mythologie grecque.
Depuis l’Antiquité, ces femmes fatales sont le symbole d’une sensualité toxique qui vise à détruire l’autre et d’un érotisme mortifère qui consume entièrement celui qu’il possède. (Bon, je ne m’attarderai pas sur le fait que ce sont de méchantes femmes qui séduisent des hommes sans défense comme des rapaces se jettent sur de pauvres petits lapins, les Grecs de l’Antiquité ne sont pas vraiment connus pour leur féminisme).
Homère nous apprend dans l’Odyssée que les sirènes sont des créatures marines qui vivaient à l’entrée du détroit de Messine, en Sicile. Elles s’allongeaient sur le rivage – oui, c’était l’époque bénie où on pouvait avoir des activités statiques sur les plages – et se mettaient à chanter ou à jouer de la lyre. Les marins qui les entendaient en perdaient le sens de l’orientation et fracassaient leur bateau sur les rochers affleurants, quand ils ne sautaient pas directement à l’eau pour les rejoindre. De toutes façons, ils finissaient dévorés par les sirènes et leurs ossements demeuraient à jamais sur leurs rives où ils se transformaient à leur tour en poussière/sable.
Homère ne s’attarde pas sur le physique des sirènes mais ses successeurs décrivent des femmes-oiseaux. Parfaitement normales à l’origine, elles auraient été punies par une ou plusieurs déesses : Héra parce que la première d’entre elles aurait séduit Zeus (oui, la jalouse ne pouvait pas punir son mari alors il fallait bien se lâcher sur quelqu’un), Aphrodite parce qu’elles auraient refusé de perdre leur virginité (un comble pour ces femmes fatales) ou encore les Muses parce qu’elles les auraient défiées au chant (il ne faut jamais défier des déesses, jamais, c’est un principe de base).
Une interprétation moderne du mythe : John William Waterhouse, Ulysse et les Sirènes, 1891, National Gallery of Victoria, Melbourne.
Seuls de rares mortels parvinrent à échapper aux sirènes : les Argonautes grâce à Orphée dont la musique couvrit leur chant et les marins d’Ulysse qui avaient mis de la cire dans leurs oreilles. Le roi d’Ithaque réussit lui aussi à éviter leurs serres mais de justesse. Curieux d’entendre leur chant, il demanda à ses hommes de l’attacher au mat de son navire. Ils lui obéirent et il put satisfaire sa curiosité. Heureusement pour lui, ils ne l’entendirent pas quand il les supplia de le détacher pour qu’il puisse rejoindre les merveilleuses jeunes femmes qui l’attendaient sur leur terre paradisiaque.
Oui, encore une œuvre d’art médiévale : travailler sur Jhen me donne l’envie et l’occasion de les redécouvrir et de vous les montrer. J’espère que cela vous plait: ça change de l’art antique ou de celui du XIXe siècle occidental que je vous présente d’habitude. Ici c’est aussi pour moi l’occasion de vous parler d’une femme : la belle Agnès Sorel.
Vierge à l’Enfant, vers 1452-58, Jean Fouquet, Musée royal des Beaux-Arts, Anvers, Belgique.
Cet étrange tableau fut réalisé vers 1452-58 par le peintre Jean Fouquet. Il fait partie d’un diptyque avec un autre panneau représentant son commanditaire, Étienne Chevalier, trésorier du roi de France Charles VII, avec son saint patron, saint Etienne donc, mais qui est plus conventionnel.
Longtemps, la tradition fut de faire de cette Vierge allaitante un portrait d’Agnès Sorel, la maîtresse du roi morte en février 1450. Drôle d’idée me direz-vous de faire d’une favorite, la première officielle d’un roi de France, un modèle pour une sainte, vierge de surcroît. C’est pourquoi de nombreux historiens ont rejeté cette hypothèse. Pour les autres, ce choix pourrait être dû à deux raisons. Pour les mauvaises langues, Etienne Chevalier était lui aussi l’amant d’Agnès Sorel. On ne prête qu’aux riches. Pour les autres, la favorite était si éclatante qu’au moment de réaliser son tableau, Jean Fouquet ne pouvait avoir d’autre modèle de beauté en tête.
Quoi qu’il en soit, cette vierge partage avec Agnès le teint très blanc qu’on aime tant à l’époque (et qui ressort d’autant plus que les anges dodus sont d’un rouge et d’un bleu très soutenus). La Vierge s’est fait aussi épiler les sourcils et les cheveux sur le haut du front, mode lancée par la favorite et qui devait plaire beaucoup à Charles VII. J’ignore par contre ce qu’il pensait des seins d’Agnès et je ne vous dirai rien de ceux du tableau…
De la rencontre du roi et d’Agnès en 1443 à la mort de celle-ci sept ans plus tard, ils eurent quatre enfants, quatre filles élégamment surnommées « les bâtardes de France », même si elle furent légitimées par leur père. Tout cela irrita énormément le dauphin, futur Louis XI, qui en fit une affaire personnelle : un jour, il poursuivit Agnès, l’épée à la main, jusque dans le lit du roi ! Cela valut au jeune homme d’être exilé de la cour et d’aller se calmer en Dauphiné.
Agnès, elle, vécut fastueusement jusqu’à ce que son ultime grossesse lui coûte la vie. Elle mourut juste après la naissance prématurée – et la mort – de sa dernière fille. Des expertises réalisées en 2004 ont montré que son corps contenait énormément de mercure. S’en est-on servi pour soulager ses douleurs d’accouchée ? S’est-elle suicidé ? Ou bien l’a-t-on empoisonnée comme la rumeur courut à l’époque ? Le mystère reste entier.
Pour renouer avec mon éphéméride, voici les deux tableaux du peintre Francisco Goya commémorant les tragiques événements madrilènes des 2 et 3 mai 1808.
Le 2 mai, le peuple de la capitale espagnole se révolta contre Joseph Bonaparte que son frère Napoléon avait installé sur le trône ibérique. Sur le tableau de Goya, El dos de mayo de 1808 en Madrid, on voit les Espagnols attaquer les mamelouks de la Garde impériale, des cavaliers venus d’Égypte.
El dos de mayo de 1808 en Madrid, 1814, Musée du Prado
Ce soulèvement fut un échec et fut très durement réprimé. Sur le second tableau, El tres de mayo de 1808 en Madrid, des soldats français exécutent les révoltés fait prisonniers. Ils furent près de 400 à être ainsi fusillés.
El tres de mayo de 1808 en Madrid, 1814, Musée du Prado
Mais loin de mettre fin à la résistance des Espagnols, cette répression enflamma tout le pays. Elle marqua le début d’une véritable guerre d’indépendance qui fut elle, un succès. Six ans plus tard, les Français durent quitter l’Espagne pour ne pas y revenir.
Élisabeth Vigée Le Brun naît le 16 avril 1755 à Paris d’un père pastelliste qui meurt stupidement douze ans plus tard après avoir avalé une arrête de poisson.
Très tôt passionnée par le dessin et la peinture, « Mlle Vigée » se fait rapidement remarquer : elle entre à l’Académie Saint-Luc dès 1774 et est admise à travailler à la cour de Louis XVI deux ans plus tard. Son agent, Jean-Baptiste Lebrun, un joueur et un libertin notoire, la demande en mariage. Elle accepte contre l’avis de tout son entourage, sans doute pour se débarrasser de son beau-père qui a pour habitude d’accaparer tous les revenus tirés de la vente de ses tableaux.
Autoportrait de 1790, Florence, Corridor de Vasari.
En 1778, elle devient la peintre officielle de la reine Marie-Antoinette et commence à la peindre d’après nature. Elle va alors de succès en succès : elle ouvre une académie, une salle des ventes, tient un salon à la mode. En 1783, elle est même admise à l’Académie royale de sculpture et de peinture (contre la volonté du premier peintre du roi qui ne veut pas d’une femme, épouse de surcroit d’un simple marchand de tableau).
La Reine « en gaule », 1783, Collection of the prince Ludwig von Hessen und bei Rhein, Wolfsgarten Castle, Allemagne.
La même année, elle propose pour la première fois une œuvre au Salon : Marie-Antoinette à la rose. Le tableau fait scandale : la reine est représentée dans une robe en mousseline qui fait plutôt partie du linge de corps, des sous-vêtements de l’époque. Élisabeth Vigée Le Brun doit retirer son œuvre et accrocher un autre portrait de la reine dans une robe plus conventionnelle.
Elle est alors au sommet de la gloire et… de l’impopularité. Elle partage la mauvaise réputation de la reine et de la cour en général. On l’accuse d’avoir des liaisons avec plusieurs courtisans, des lambris d’or dans son hôtel, d’allumer son feu avec des billets de caisse ( = de banque)…
À l’été 1789, elle est hors de Paris quand des sans-culottes déversent du souffre dans les caves de son hôtel particulier et essaient d’y mettre le feu. En octobre, alors que la famille royale est ramenée de force à Paris, Élisabeth Vigée Le Brun quitte Paris avec sa fille, laissant tous ses biens à son mari. Elle va d’abord en Italie où elle reste plusieurs années puis voyage dans toute l’Europe en continuant à peindre abondamment pour gagner sa vie.
Elle ne rentre à Paris qu’en 1802. Mais elle peine à y retrouver sa place. Elle continue à voyager beaucoup jusqu’en 1809. Là, elle s’installe à Louveciennes et recommence à fréquenter les artistes à la mode. Mais elle ne retrouve jamais le succès qui fut le sien avant la Révolution. Son mari, dont elle a divorcé entre temps meurt en 1813 et elle sombre petit à petit dans la misère. Pire, elle perd progressivement la vue jusqu’à sa mort en mars 1842.
Autoportrait avec sa fille Julie, huile sur panneau, 1786, Le Louvre. Ce tableau fit également scandale à l’époque : on voit les dents d’Elisabeth. Ça c’est mal, c’est très mal : seuls les fous ou les ivrognes sourient ainsi… Les gens comme il faut sourient en serrant les lèvres.
Élisabeth Vigée Le Brun a peint au total 900 tableaux dont 660 portraits (une cinquantaine d’auto-portraits). Mais, si elle connaît un grand succès de son vivant, son style est jugé souvent « mièvre » au XIXe siècle par les historiens de l’art. Ils lui reprochent surtout d’être restée « royaliste » jusqu’à sa mort.
Elle est ensuite jugée très sévèrement par les féministes telles Simone de Beauvoir : « Au lieu de se donner généreusement à l’œuvre qu’elle entreprend, la femme la considère comme un simple ornement de sa vie ; le livre et le tableau ne sont qu’un intermédiaire inessentiel, lui permettant d’exhiber cette essentielle réalité : sa propre personne. Aussi est-ce sa personne qui est le principal — parfois l’unique — sujet qui l’intéresse : Mme Vigée-Lebrun ne se lasse pas de fixer sur ses toiles sa souriante maternité » (Le deuxième sexe, 1949)
Aujourd’hui, si la question de la maternité comme identité féminine et du narcissisme dans son œuvre demeure, les féministes la replacent davantage dans le contexte historique qui la vu naître et s’intéressent à sa place de « femme artiste » dans une société où l’étude des Beaux Arts est quasi interdite aux femmes, où les liens clientélistes sont essentiels et où la réputation personnelle et les relations avec les collègues masculins conditionnent toute une carrière.
Camille Claudel et Jessie Lipscomb dans leur atelier du N° 117 de la rue Notre-Dame-des-Champs, 1887.
J’avoue que plus que les sculptrices, c’est la statue qui m’attire sur cette photo. Étrange corps avec ses jambes d’écorché, ses bras mutilés, sa tête dodelinante comme percée de flèches. Une beauté martyre en quelque sorte.
Puisque Gustave Moreau est né le 6 avril 1826, c’est l’occasion pour moi de vous montrer l’œuvre qui le rendit célèbre au Salon de 1864 : Œdipe et le Sphinx, conservé aujourd’hui au Metropolitan Museum of Art.
Ce fut un coup de tonnerre dans le milieu des jeunes peintres chez qui la mode était alors au réalisme et au naturalisme. Alors qu’il était de bon ton d’admirer Le Déjeuner sur l’herbe présenté l’année précédente par Édouard Manet et d’annoncer la mort de la peinture d’Histoire, Moreau a délibérément choisi un sujet mythologique classique et développé un style archaïsant, proche de celui d’Andrea Mantegna, un peintre italien du XVe siècle. Le choc fut tel que les caricaturistes s’amusèrent à représenter le Sphinx de Moreau en train d’empêcher de dormir Gustave Courbet.
Chacun a l’époque connaissait l’anecdote mythique qui inspirait le tableau. Le maléfique Sphinx gardait un carrefour menant à la ville de Thèbes et posait invariablement la même énigme aux voyageurs qu’il croisait. Comme ceux-ci n’arrivaient pas à en trouver la solution, il les dévorait sans pitié. Aussi quand Œdipe vint à passer, il lui demanda comme aux autres : « Qu’est-ce qui marche sur quatre pieds le matin, deux l’après-midi et trois le soir ? ». Et, bien sûr, Œdipe trouva la réponse (que je vous laisse deviner 🙂 ). Fou de rage, le Sphinx alla se jeter du haut d’un rocher. Le héros continua sa route vers la ville. Pour le remercier de l’avoir délivrée du monstre, on lui accorda la main de la reine-veuve Jocaste qui se révélera être en fait sa mère. Mais c’est une autre histoire…
Comme le Sphinx était de sexe féminin, certains critiques ont voulu voir dans le tableau l’illustration du thème de la femme fatale et de la guerre des sexes plus que de celle du Bien contre le Mal évoquée habituellement. Moreau, lui, en peintre résolument symboliste, donnait ainsi le message contenu dans son œuvre : « Voyageur à l’heure sévère et mystérieuse de la vie, l’homme rencontre l’énigme éternelle qui le presse et le meurtrit. Mais l’âme forte défie les atteintes enivrantes et brutales de la matière et, l’œil fixé sur l’idéal, il marche confiant vers son but après l’avoir foulée aux pieds. »
