Pourquoi faire un simple portrait quand on peut faire une anamorphose ?
Portrait du futur roi anglais Edouard VI par William Scrots, 1546.
Anamorphose conservée encore aujourd’hui à Londres.
Et la même image regardée dans la perspective adéquate :
Catégorie : Histoire moderne
La Raie de Jean Chardin
” Maintenant venez jusqu’à la cuisine dont l’entrée est sévèrement gardée par la tribu des vases de toute grandeur, serviteurs capables et fidèles, race laborieuse et belle. Sur la table les couteaux actifs, qui vont droit au but, reposent dans une oisiveté menaçante et inoffensive.
Mais au-dessus de vous un monstre étrange, frais encore comme la mer où il ondoya, une raie est suspendue, dont la vue mêle au désir de la gourmandise le charme curieux du calme ou des tempêtes de la mer dont elle fut le formidable témoin, faisant passer comme un souvenir du Jardin des Plantes à travers un goût de restaurant. Elle est ouverte et vous pouvez admirer la beauté de son architecture délicate et vaste, teintée de sang rouge, de nerfs bleus et de muscles blancs, comme la nef d’une cathédrale polychrome.
À côté, dans l’abandon de leur mort, des poissons sont tordus en une courbe raide et désespérée, à plat ventre, les yeux sortis.
Puis un chat, superposant à cet aquarium la vie obscure de ses formes plus savantes et plus conscientes, l’éclat de ses yeux posé sur la raie, fait manœuvrer avec une hâte lente le velours de ses pattes sur les huîtres soulevées et décèle à la fois la prudence de son caractère, la convoitise de son palais et la témérité de son entreprise.
L’œil qui aime à jouer avec les autres sens et à reconstituer à l’aide de quelques couleurs, plus que tout un passé, tout un avenir, sent déjà la fraîcheur des huîtres qui vont mouiller les pattes du chat et on entend déjà, au moment où l’entassement précaire de ces nacres fragiles fléchira sous le poids du chat, le petit cri de leur fêlure et le tonnerre de leur chute. ”
Marcel Proust, “Rembrandt et Chardin” 1895.
Lucrèce Borgia
Lucrèce Borgia est peut-être la jeune femme à la réputation la plus sulfureuse de la renaissance italienne: débauchée, incestueuse, empoisonneuse, rien ne l’aurait arrêtée. Une réputation à la hauteur de celle de son père le pape Alexandre VI et surtout de celle de son frère, le fameux César Borgia. Mais une réputation en grande partie imméritée.
Selon l’historiographie récente, Lucrèce, pour être une femme d’une grande beauté et surtout d’un caractère bien trempé – elle est un moment gouverneur de Spolète pour son père – est surtout un pion que les hommes de sa famille déplacent au gré de leurs intrigues et de leurs besoins politiques.
Ci-dessous les deux visages de Lucrèce Borgia :
Celui de la légende :
Celui de l’Histoire :
Lucrèce est mariée une première fois à 13 ans en 1493. Mais, 4 ans plus tard, Alexandre VI, dont les intérêts diplomatiques ont changé, annule cette union au prétexte qu’elle n’a pas été consommée. Le mari de Lucrèce, Giovanni Sforza, est contraint de déclarer en public qu’il est impuissant. C’est faux, mais personne ne s’en soucie. Humilié, l’ex-mari lance la rumeur d’un inceste entre Lucrèce et son frère/son père.
Cela n’empêche pas la jeune femme d’être remariée l’année suivante à Alphonse d’Aragon. Ils ont un enfant, mais là encore les intérêts d’Alexandre VI changent. Comme on ne peut plus annuler le mariage, le mari est proprement assassiné en 1500. Lucrèce, qui semble attachée à ce deuxième conjoint, se brouille alors avec sa famille. Mais peut importe: concrètement, elle dépend toujours de son père. Elle n’a pas le choix, elle doit plier devant lui.
Dès 1501, elle est donc mariée pour la troisième fois. Vue sa réputation de « bâtarde dépravée », son père doit lui fournir une énorme dot. Mais cette fois, c’est la bonne. Alphonse Ier d’Este reste l’époux de Lucrèce jusqu’à ce qu’elle meure en 1519 après avoir donné naissance à une petite fille, leur huitième enfant.
Durant cette ultime union, Lucrèce s’intéresse peu à la politique, peut-être dégoutée par toutes les intrigues auxquelles elle a dû participer bon gré mal gré à Rome. Mais, cultivée – elle connaît le latin et le grec – elle soutient les artistes conformément à la tradition aristocratique de son époque.
À sa mort, sa réputation est en grande partie rétablie, mais c’est compter sans Victor Hugo. Sa pièce éponyme montre une Lucrèce Borgia aussi belle que cruelle, incestueuse et meurtrière sans remords. C’est fini, c’est cette image qui passera à la postérité.
Diptyque de saint Jean-Baptiste et sainte Véronique
Le 4 février, les catholiques fêtent sainte Véronique. C’est le prétexte que j’attendais pour vous montrer le Diptyque de saint Jean-Baptiste et sainte Véronique d’Hans Memling (1480-1483).
Comme le David et Goliath que je vous ai présenté il y a quelques jours, on peut le regarder recto-verso mais l’effet recherché est très différent, ainsi que vous pouvez le voir ci-dessous.
Au recto, on a à gauche saint Jean-Baptiste accompagné d’un agneau. Selon la tradition chrétienne, Jean a baptisé le Christ dans le fleuve Jourdain après avoir reconnu en lui « l’agneau de Dieu ».
Il est accompagné, à droite, de Véronique. Toujours selon la tradition, c’est une habitante de Jérusalem qui eut pitié du Christ alors qu’il portait sa croix vers le Golgotha. Elle lui donna un tissu pour qu’il s’essuie le front. Son image resta ensuite gravée sur le linge, comme elle nous le montre.
Au verso, on a des images beaucoup plus glaçantes. Derrière Jean-Baptiste, on a une tête de mort avec l’inscription « morieris », « tu vas mourir » en latin, histoire de bien rappeler ce qui attend tout être humain, même s’il est assez riche et puissant pour se faire faire de telles œuvres d’art. L’image est si inquiétante qu’elle fut recouverte d’une couche de peinture au XIXe siècle et ne fut redécouverte qu’en 1980 à l’occasion d’une restauration.
Derrière Véronique, on a un calice avec un serpent, une référence à un autre saint Jean : l’Evangéliste. Selon une source apocryphe, le saint avait été contraint de boire une coupe empoisonnée après avoir refusé de sacrifier aux dieux de Rome. Mais il bénit la coupe et une serpent en sortit, entraînant le poison avec lui.
David et Goliath
Quel est l’art le plus grand et le meilleur ? La peinture ou la sculpture ? C’est pour participer à cet épineux débat qui faisait rage en 1555 en Italie, que Daniele da Volterra, un proche de Michel Ange, réalisa cet étonnant tableau.
Car, oui, il s’agit d’un seul tableau vu recto verso ! Son auteur voulait qu’on puisse en faire le tour comme pour une statue et voir la scène sous différents angles. Vous pouvez d’ailleurs le faire au Louvre où il est exposé.
Je vous laisse apprécier si c’est réussi ou non.
Volterra y montre une scène de l’Ancien Testament : le duel entre le jeune David, champion d’Israël, et son ennemi philistin, le terrible géant Goliath. David l’a abattu avec sa fronde d’une pierre en plein front. Il lui a volé son cimeterre et s’apprête à l’achever.
Malgré son originalité, ce n’est pas ce tableau qui rendit célèbre Volterra. En 1564, c’est lui qui fut chargé de peindre des pagnes sur les nus de la chapelle Sixtine, jugés obscènes par le pape Pie IV. Pour tous et pour longtemps, Volterra devint alors « le peintre des culottes ».
L’Homme au masque de fer
Le 19 novembre 1703, un étrange prisonnier meurt à la Bastille au bout de 34 ans d’incarcération. Nul ne connaît ni son nom, ni son visage, ni pourquoi il est là.
Bien sûr, cela enflamme les imaginations et, en 1751, Voltaire lui-même parle, dans son Siècle de Louis XIV, de cet « homme au masque de fer ». Il ajoute de nombreux détails croustillants aux simples faits connus et le prisonnier devient le symbole des dérives de l’absolutisme royal. La légende est lancée. Elle ne fera que s’amplifier par la suite.
Mais qui était le « masque de fer » finalement ? Voici les hypothèses les plus romanesques. Il s’agirait :
– selon Voltaire, du frère jumeau de Louis XIV, du frère aîné, bien sûr, qui aurait pu lui disputer le trône.
– de l’enfant adultérin de la reine Anne d’Autriche et du duc de Buckingham
– d’un autre amant de la même Anne d’Autriche qui serait le vrai père de Louis XIV
– du surintendant Nicolas Fouquet, victime de la jalousie de Louis XIV
– de Molière, qui ne serait pas mort sur scène mais aurait été arrêté car les jésuites ne lui pardonnaient pas le Tartuffe.
– de d’Artagnan que le masque aurait dissimulé aux regards des mousquetaires qui le gardaient et auraient voulu libérer leur ancien capitaine.
– du nain Nabo, un esclave noir appartenant à l’épouse de Louis XIV et avec qui elle aurait eu une fille.
– du chirurgien Auger, un des protagonistes de l’Affaire des poisons.
– d’un simple valet sans importance mais Saint-Mars, le gouverneur de la prison, voulait faire croire à tout le monde qu’il gardait un prisonnier important.
Je vous laisse en inventer d’autres maintenant 🙂
La Légende d’Arachné ou Les Fileuses
Voici une des dernières œuvres de Diego Vélasquez, mort le 6 août 1660. Je l’aime beaucoup, comme vous savez si vous me suivez : je vous ai déjà montré plusieurs tableaux de lui.
Celui-ci a été peint vers 1657 pour un homme de cour espagnol : Pedro de Arce. Très abîmé par le temps, il a dû être fortement restauré dans les années 1980. Celui-ci a été peint vers 1657 pour un homme de cour espagnol : Pedro de Arce. Très abîmé par le temps, il a dû être fortement restauré dans les années 1980. Il est aujourd’hui exposé au musée du Prado à Madrid.
Contrairement à ce que laissent penser les vêtements des femmes et les décors, il représente une légende antique, une des métamorphoses racontées par le poète latin Ovide.
La jeune Arachné était une excellente tisserande mais son talent lui monta à la tête. Elle prétendit être meilleure que Minerve, la déesse de l’intelligence et des artisans. Furieuse de cette arrogance, Minerve proposa un concours à Arachné.
Au premier plan du tableau de Vélasquez, on les voit toutes les deux à l’ouvrage avec leurs assistantes. Derrière elles, dans la lumière, on a l’issue du concours : les tapisseries sont accrochées au mur et des femmes les jugent.
Minerve regarda attentivement l’œuvre de sa rivale mais ne réussit pas à y trouver un seul défaut. Cela la mit encore plus en colère : elle frappa Arachné et mit le merveilleux tissu en pièces. Humiliée, désespérée par le saccage de sa plus belle création, la jeune fille se pendit. Alors seulement, Minerve la prit en pitié. Elle la ressuscita et… la transforma en araignée pour qu’elle puisse passer le reste de sa vie à tisser.
Voir aussi :
Castle Howard
Hum, j’ai le lieu, reste à trouver l’histoire et les personnages… des détails quoi.
Voici château Howard, la maison de campagne de Charles Howard, 3e comte de Carlisle, dans le Yorkshire. L’ensemble a été construit par John Vanbrugh et Nicholas Hawsmoor entre 1699 et 1712.
Il est entouré d’immenses jardins à la française et à l’anglaise ponctués de deux fabriques, deux constructions ornementales, plus petites mais aussi impressionnantes que le château.
– le temple des Quatre Vents
– le mausolée du comte.
Ce dernier fit scandale à son époque. Non par ce qu’il représentait de dépenses somptuaires, comme le reste de l’ensemble architectural, à une époque où tout le monde ne mangeait pas à sa faim en Angleterre, mais parce qu’il manifestait l’hostilité du comte à la religion et sa volonté d’être enterré loin de toute église.
Fdj : Élisabeth Vigée Le Brun
Élisabeth Vigée Le Brun naît le 16 avril 1755 à Paris d’un père pastelliste qui meurt stupidement douze ans plus tard après avoir avalé une arrête de poisson.
Très tôt passionnée par le dessin et la peinture, « Mlle Vigée » se fait rapidement remarquer : elle entre à l’Académie Saint-Luc dès 1774 et est admise à travailler à la cour de Louis XVI deux ans plus tard. Son agent, Jean-Baptiste Lebrun, un joueur et un libertin notoire, la demande en mariage. Elle accepte contre l’avis de tout son entourage, sans doute pour se débarrasser de son beau-père qui a pour habitude d’accaparer tous les revenus tirés de la vente de ses tableaux.
En 1778, elle devient la peintre officielle de la reine Marie-Antoinette et commence à la peindre d’après nature. Elle va alors de succès en succès : elle ouvre une académie, une salle des ventes, tient un salon à la mode. En 1783, elle est même admise à l’Académie royale de sculpture et de peinture (contre la volonté du premier peintre du roi qui ne veut pas d’une femme, épouse de surcroit d’un simple marchand de tableau).
La même année, elle propose pour la première fois une œuvre au Salon : Marie-Antoinette à la rose. Le tableau fait scandale : la reine est représentée dans une robe en mousseline qui fait plutôt partie du linge de corps, des sous-vêtements de l’époque. Élisabeth Vigée Le Brun doit retirer son œuvre et accrocher un autre portrait de la reine dans une robe plus conventionnelle.
Elle est alors au sommet de la gloire et… de l’impopularité. Elle partage la mauvaise réputation de la reine et de la cour en général. On l’accuse d’avoir des liaisons avec plusieurs courtisans, des lambris d’or dans son hôtel, d’allumer son feu avec des billets de caisse ( = de banque)…
À l’été 1789, elle est hors de Paris quand des sans-culottes déversent du souffre dans les caves de son hôtel particulier et essaient d’y mettre le feu. En octobre, alors que la famille royale est ramenée de force à Paris, Élisabeth Vigée Le Brun quitte Paris avec sa fille, laissant tous ses biens à son mari. Elle va d’abord en Italie où elle reste plusieurs années puis voyage dans toute l’Europe en continuant à peindre abondamment pour gagner sa vie.
Elle ne rentre à Paris qu’en 1802. Mais elle peine à y retrouver sa place. Elle continue à voyager beaucoup jusqu’en 1809. Là, elle s’installe à Louveciennes et recommence à fréquenter les artistes à la mode. Mais elle ne retrouve jamais le succès qui fut le sien avant la Révolution. Son mari, dont elle a divorcé entre temps meurt en 1813 et elle sombre petit à petit dans la misère. Pire, elle perd progressivement la vue jusqu’à sa mort en mars 1842.
Élisabeth Vigée Le Brun a peint au total 900 tableaux dont 660 portraits (une cinquantaine d’auto-portraits). Mais, si elle connaît un grand succès de son vivant, son style est jugé souvent « mièvre » au XIXe siècle par les historiens de l’art. Ils lui reprochent surtout d’être restée « royaliste » jusqu’à sa mort.
Elle est ensuite jugée très sévèrement par les féministes telles Simone de Beauvoir : « Au lieu de se donner généreusement à l’œuvre qu’elle entreprend, la femme la considère comme un simple ornement de sa vie ; le livre et le tableau ne sont qu’un intermédiaire inessentiel, lui permettant d’exhiber cette essentielle réalité : sa propre personne. Aussi est-ce sa personne qui est le principal — parfois l’unique — sujet qui l’intéresse : Mme Vigée-Lebrun ne se lasse pas de fixer sur ses toiles sa souriante maternité » (Le deuxième sexe, 1949)
Aujourd’hui, si la question de la maternité comme identité féminine et du narcissisme dans son œuvre demeure, les féministes la replacent davantage dans le contexte historique qui la vu naître et s’intéressent à sa place de « femme artiste » dans une société où l’étude des Beaux Arts est quasi interdite aux femmes, où les liens clientélistes sont essentiels et où la réputation personnelle et les relations avec les collègues masculins conditionnent toute une carrière.
Pallas et le centaure
Allégorie du jour :
“Pallas et le centaure” ou la Raison doit dominer les bas instincts ou ” Tu resteras chez toi tant qu’on te le demandera, nom de Zeus !”
Cette peinture allégorique peinte par Sandro Botticelli en 1482 sera à nouveau visible dès la fin du confinement au Musée des Offices de Florence.
Pallas est un autre nom de la déesse Athéna, divinité de la Sagesse, qui apaise ici de la main un centaure, chimère mi-homme – mi-cheval symbole dans l’Antiquité et la Renaissance de bestialité.
