Je cherchais de qui j’allais vous faire la petite biographie ce soir – Marguerite de Valois alias « la reine Margot » ? Alberte-Barbe d’Ernécourt alias « l’Amazone lorraine » ? Margarita Carmen Cansino alias « Rita Hayworth » ? – quand je suis tombée sur l’improbable fiche biographique d’une héroïne du net morte le 14 mai 2019 : Tardar Sauce alias « Grumpy Cat. »
Je vous mets sa photo ci-dessous, mais n’en demandez pas plus… Ah si juste un chiffre pour vous faire rêver : en 2017, sa page FB officielle avait 8 700 000 fans. Voilà… Voilà… Voila…
Pour renouer avec mon éphéméride, voici les deux tableaux du peintre Francisco Goya commémorant les tragiques événements madrilènes des 2 et 3 mai 1808.
Le 2 mai, le peuple de la capitale espagnole se révolta contre Joseph Bonaparte que son frère Napoléon avait installé sur le trône ibérique. Sur le tableau de Goya, El dos de mayo de 1808 en Madrid, on voit les Espagnols attaquer les mamelouks de la Garde impériale, des cavaliers venus d’Égypte.
El dos de mayo de 1808 en Madrid, 1814, Musée du Prado
Ce soulèvement fut un échec et fut très durement réprimé. Sur le second tableau, El tres de mayo de 1808 en Madrid, des soldats français exécutent les révoltés fait prisonniers. Ils furent près de 400 à être ainsi fusillés.
El tres de mayo de 1808 en Madrid, 1814, Musée du Prado
Mais loin de mettre fin à la résistance des Espagnols, cette répression enflamma tout le pays. Elle marqua le début d’une véritable guerre d’indépendance qui fut elle, un succès. Six ans plus tard, les Français durent quitter l’Espagne pour ne pas y revenir.
Élisabeth Vigée Le Brun naît le 16 avril 1755 à Paris d’un père pastelliste qui meurt stupidement douze ans plus tard après avoir avalé une arrête de poisson.
Très tôt passionnée par le dessin et la peinture, « Mlle Vigée » se fait rapidement remarquer : elle entre à l’Académie Saint-Luc dès 1774 et est admise à travailler à la cour de Louis XVI deux ans plus tard. Son agent, Jean-Baptiste Lebrun, un joueur et un libertin notoire, la demande en mariage. Elle accepte contre l’avis de tout son entourage, sans doute pour se débarrasser de son beau-père qui a pour habitude d’accaparer tous les revenus tirés de la vente de ses tableaux.
Autoportrait de 1790, Florence, Corridor de Vasari.
En 1778, elle devient la peintre officielle de la reine Marie-Antoinette et commence à la peindre d’après nature. Elle va alors de succès en succès : elle ouvre une académie, une salle des ventes, tient un salon à la mode. En 1783, elle est même admise à l’Académie royale de sculpture et de peinture (contre la volonté du premier peintre du roi qui ne veut pas d’une femme, épouse de surcroit d’un simple marchand de tableau).
La Reine « en gaule », 1783, Collection of the prince Ludwig von Hessen und bei Rhein, Wolfsgarten Castle, Allemagne.
La même année, elle propose pour la première fois une œuvre au Salon : Marie-Antoinette à la rose. Le tableau fait scandale : la reine est représentée dans une robe en mousseline qui fait plutôt partie du linge de corps, des sous-vêtements de l’époque. Élisabeth Vigée Le Brun doit retirer son œuvre et accrocher un autre portrait de la reine dans une robe plus conventionnelle.
Elle est alors au sommet de la gloire et… de l’impopularité. Elle partage la mauvaise réputation de la reine et de la cour en général. On l’accuse d’avoir des liaisons avec plusieurs courtisans, des lambris d’or dans son hôtel, d’allumer son feu avec des billets de caisse ( = de banque)…
À l’été 1789, elle est hors de Paris quand des sans-culottes déversent du souffre dans les caves de son hôtel particulier et essaient d’y mettre le feu. En octobre, alors que la famille royale est ramenée de force à Paris, Élisabeth Vigée Le Brun quitte Paris avec sa fille, laissant tous ses biens à son mari. Elle va d’abord en Italie où elle reste plusieurs années puis voyage dans toute l’Europe en continuant à peindre abondamment pour gagner sa vie.
Elle ne rentre à Paris qu’en 1802. Mais elle peine à y retrouver sa place. Elle continue à voyager beaucoup jusqu’en 1809. Là, elle s’installe à Louveciennes et recommence à fréquenter les artistes à la mode. Mais elle ne retrouve jamais le succès qui fut le sien avant la Révolution. Son mari, dont elle a divorcé entre temps meurt en 1813 et elle sombre petit à petit dans la misère. Pire, elle perd progressivement la vue jusqu’à sa mort en mars 1842.
Autoportrait avec sa fille Julie, huile sur panneau, 1786, Le Louvre. Ce tableau fit également scandale à l’époque : on voit les dents d’Elisabeth. Ça c’est mal, c’est très mal : seuls les fous ou les ivrognes sourient ainsi… Les gens comme il faut sourient en serrant les lèvres.
Élisabeth Vigée Le Brun a peint au total 900 tableaux dont 660 portraits (une cinquantaine d’auto-portraits). Mais, si elle connaît un grand succès de son vivant, son style est jugé souvent « mièvre » au XIXe siècle par les historiens de l’art. Ils lui reprochent surtout d’être restée « royaliste » jusqu’à sa mort.
Elle est ensuite jugée très sévèrement par les féministes telles Simone de Beauvoir : « Au lieu de se donner généreusement à l’œuvre qu’elle entreprend, la femme la considère comme un simple ornement de sa vie ; le livre et le tableau ne sont qu’un intermédiaire inessentiel, lui permettant d’exhiber cette essentielle réalité : sa propre personne. Aussi est-ce sa personne qui est le principal — parfois l’unique — sujet qui l’intéresse : Mme Vigée-Lebrun ne se lasse pas de fixer sur ses toiles sa souriante maternité » (Le deuxième sexe, 1949)
Aujourd’hui, si la question de la maternité comme identité féminine et du narcissisme dans son œuvre demeure, les féministes la replacent davantage dans le contexte historique qui la vu naître et s’intéressent à sa place de « femme artiste » dans une société où l’étude des Beaux Arts est quasi interdite aux femmes, où les liens clientélistes sont essentiels et où la réputation personnelle et les relations avec les collègues masculins conditionnent toute une carrière.
Le 10 avril 1912, le Titanic quittait Southampton pour New York. Comme vous le savez, tout ne se passa pas comme prévu ensuite. Le naufrage qui fit plus d’un millier de victimes frappa fortement l’opinion. La rencontre avec l’iceberg sembla à beaucoup trop improbable pour être vraiment fortuite… Non, il fallait qu’une malédiction se soit abattue sur le navire et ses passagers.
Or John Jacob Astor, un des hommes les plus riches d’Amérique, se trouvait sur le bateau après avoir fait scandale quelques mois auparavant. Il avait divorcé de son épouse pour se remarier aussitôt avec la charmante Madeleine Talmage Force de 30 ans sa cadette. Pour échapper aux pressions en tous genres, ils étaient allés passer leur lune de miel en Égypte… De là, à imaginer que le couple sulfureux en ramenait une momie maléfique et meurtrière, il n’y avait qu’un pas aisé à franchir !
Momie recouverte de ses “cartonnages », époque ptolémaïque, IIIe – IIe siècle avant J.-C.Louvre.
La rumeur s’en répandit à l’époque. D’autant que John Jacob était mort noyé (entraîné vers le fond par la momie ?) et ne pouvait plus démentir. Mais je vais devoir vous décevoir : depuis, on a bien vérifié : il n’y avait aucune momie enregistrée dans le manifeste du navire. C’est bien le seul iceberg, le coupable.
Puisque Gustave Moreau est né le 6 avril 1826, c’est l’occasion pour moi de vous montrer l’œuvre qui le rendit célèbre au Salon de 1864 : Œdipe et le Sphinx, conservé aujourd’hui au Metropolitan Museum of Art.
Ce fut un coup de tonnerre dans le milieu des jeunes peintres chez qui la mode était alors au réalisme et au naturalisme. Alors qu’il était de bon ton d’admirer Le Déjeuner sur l’herbe présenté l’année précédente par Édouard Manet et d’annoncer la mort de la peinture d’Histoire, Moreau a délibérément choisi un sujet mythologique classique et développé un style archaïsant, proche de celui d’Andrea Mantegna, un peintre italien du XVe siècle. Le choc fut tel que les caricaturistes s’amusèrent à représenter le Sphinx de Moreau en train d’empêcher de dormir Gustave Courbet.
Chacun a l’époque connaissait l’anecdote mythique qui inspirait le tableau. Le maléfique Sphinx gardait un carrefour menant à la ville de Thèbes et posait invariablement la même énigme aux voyageurs qu’il croisait. Comme ceux-ci n’arrivaient pas à en trouver la solution, il les dévorait sans pitié. Aussi quand Œdipe vint à passer, il lui demanda comme aux autres : « Qu’est-ce qui marche sur quatre pieds le matin, deux l’après-midi et trois le soir ? ». Et, bien sûr, Œdipe trouva la réponse (que je vous laisse deviner 🙂 ). Fou de rage, le Sphinx alla se jeter du haut d’un rocher. Le héros continua sa route vers la ville. Pour le remercier de l’avoir délivrée du monstre, on lui accorda la main de la reine-veuve Jocaste qui se révélera être en fait sa mère. Mais c’est une autre histoire…
Comme le Sphinx était de sexe féminin, certains critiques ont voulu voir dans le tableau l’illustration du thème de la femme fatale et de la guerre des sexes plus que de celle du Bien contre le Mal évoquée habituellement. Moreau, lui, en peintre résolument symboliste, donnait ainsi le message contenu dans son œuvre : « Voyageur à l’heure sévère et mystérieuse de la vie, l’homme rencontre l’énigme éternelle qui le presse et le meurtrit. Mais l’âme forte défie les atteintes enivrantes et brutales de la matière et, l’œil fixé sur l’idéal, il marche confiant vers son but après l’avoir foulée aux pieds. »
Née le 28 mars 1912 d’une professeure et d’un chanteur d’opéra, Marina Raskova s’orienta vers une carrière de chimiste mais elle ne resta pas longtemps dans l’industrie soviétique. Ayant obtenu son brevet d’aviatrice, elle devint pilote d’essai en 1937 et entra au NKVD, l’ancêtre du KGB deux ans plus tard.
Entre temps, elle était devenue célèbre en survivant à un vol vers Komsomolsk qui s’était terminé en catastrophe : elle avait dû s’éjecter de son avion et, selon la légende, avait survécu dix jours dans la neige en mangeant seulement deux barres au chocolat.
Devenue à cette occasion une intime de Staline, elle forma à sa demande trois escadrons composés uniquement de femmes durant le Deuxième Guerre Mondiale. L’un d’eux, le 588e, servit à Stalingrad et devint fameux sous le surnom donné par les Allemands de « Sorcières de la nuit », à cause de ses attaques nocturnes.
Mais c’est aussi durant la bataille de Stalingrad que Marina Raskova trouva la mort le 4 janvier 1943 à seulement 30 ans : son avion heurta une falaise pendant une tempête de neige. Staline organisa des funérailles nationales à celle qui était devenue “une héroïne de l’Union soviétique” et fit placer ses cendres dans la nécropole du mur du Kremlin.
Marina Raskova en 1938, Photo de Aleksandr Gribovsky
Née le 25 mars 1912 en Angleterre, Melita Norwood mène la paisible vie d’une secrétaire à l’Association de recherche des métaux-non ferreux de 1932 à sa retraite en 1972. Femme sans histoire, elle se marie, devient veuve et n’attire jamais l’attention sur elle… Enfin jusqu’en 1999.
A cette date, paraissent les Archives Mitrokhine, les dossiers jusque-là tenus secrets d’un ancien archiviste du KGB passé à l’Ouest en 1992.
Et là, c’est le choc : Melita, ou plutôt « Hola » de son nom de code a espionné pour le compte du KGB de 1937 à 1972 ! L’URSS lui verse même une petite pension et l’a décorée de l’Ordre du Drapeau Rouge pour ses excellents états de service !
Mais revenons au début. Melita est la fille d’un couple de communistes convaincus. Son père a traduit et imprimé les œuvres de Lénine et Trotski. Melita elle-même adhère aux idéaux du Parti. Aussi, quand un agent soviétique l’approche en 1937, elle n’hésite pas. Elle accepte de photographier et de transmettre au KGB les documents qui passent entre ses mains pendant ses heures de travail. Sa motivation restera toujours idéologique. Elle ne sera jamais pécuniaire.
Mais pourquoi le KGB s’intéresse-t-il autant aux métaux-non ferreux ? Tout simplement parce que la connaissance des propriétés de métaux tels que l’uranium conditionne alors la recherche atomique. Pendant la guerre, l’association de Melita participe même au programme d’armement « Tube Alloys » qui doit doter l’Angleterre de la bombe atomique. Selon les historiens, les renseignements fournis par Melita ont pu faire gagner deux ou trois ans de recherches aux Soviétiques.
Soupçonnée plusieurs fois, elle perd l’accès aux documents les plus importants en 1951 mais elle n’en continue pas moins sa mission jusqu’à sa mise à la retraite.
Vingt ans plus tard, en 1992, Mitrokhine arrive en Angleterre et livre ses dossiers au MI5. Melita devrait alors être inquiétée (pour le moins), mais le jeune agent en charge de son affaire juge inutile de « harceler une vieille dame ». Elle échappe donc à toute poursuite et à toute sanction.
Interrogée sur son passé peu de temps avant sa mort en 2005, elle ne regrettait rien et conservait toujours sa foi dans le communisme, « une bonne idée » définitivement.
Virginia Oldoïni, contessa di Castiglione est née à Florence le 22 mars 1837. Elle a à peine 18 ans quand son cousin, le comte de Cavour, lui demande de séduire Napoléon III afin de lui faire soutenir l’unification de l’Italie alors en pleine gestation. Mariée et tout juste mère d’un petit garçon, elle accepte sans hésiter.
Elle rencontre l’empereur à un bal en janvier 1856 et lui plait immédiatement. Il faut dire qu’il a 30 ans de plus qu’elle et qu’elle est réputée être « la plus belle femme de son siècle ». Mais le double adultère fait scandale. Le comte de Castiglione, qu’elle a ruiné au passage, doit se séparer de son épouse. Elle reste seule à Paris jusqu’au 5 avril 1857.
Cette nuit-là, Napoléon III manque de se faire assassiner en sortant de chez elle par trois Italiens à la solde des républicains et révolutionnaires de leur pays. Soupçonnée à tort de complicité, Virginia est expulsée de France… où elle revient un mois plus tard.
Son influence a-t-elle été décisive ?
En tout cas, l’année suivante, en juillet 1858, a lieu l’entrevue secrète de Plombière entre l’empereur et le comte de Cavour. Elle aboutit à une alliance, définissant une stratégie pour que l’unité italienne voit le jour. En échange de l’aide de la France, le futur chef du gouvernement italien promet à Napoléon III la Savoie et la ville de Nice. Elles deviendront effectivement françaises deux ans plus tard.
La comtesse connaît ensuite un grand succès dans toutes les cours européennes. Mais elle ne supporte pas de vieillir et de voir sa beauté décliner. Elle s’enferme petit à petit dans son appartement. Elle en fait voiler les miroirs et ne sort plus qu’à la nuit tombée pour que les passants ne puissent pas voir « les ravages du temps » sur son visage.
Elle meurt finalement en 1899, âgée seulement de 62 ans. Elle qui fut une des femmes les plus aimées et les plus admirées de sa génération n’a plus alors pour seuls compagnons que ses chiens empaillés .
La comtesse photographiée par Pierre-Louis Pierson dans les années 1860.
Allégorie du jour :
“Pallas et le centaure” ou la Raison doit dominer les bas instincts ou ” Tu resteras chez toi tant qu’on te le demandera, nom de Zeus !”
Cette peinture allégorique peinte par Sandro Botticelli en 1482 sera à nouveau visible dès la fin du confinement au Musée des Offices de Florence.
Pallas est un autre nom de la déesse Athéna, divinité de la Sagesse, qui apaise ici de la main un centaure, chimère mi-homme – mi-cheval symbole dans l’Antiquité et la Renaissance de bestialité.
Rosa Bonheur photographiée par Eugène Disdéri en 1865
Le 16 mars 1822, naissait à Bordeaux la future peintre et sculptrice Rosa Bonheur. Spécialisée dans la peinture animalière, elle connut un très grand succès de son vivant. Dès 1856, elle n’eut même plus besoin d’exposer au Salon : toutes ses œuvres étaient vendues d’avance. Les amateurs spéculaient déjà sur elles et certaines partirent jusqu’aux États-Unis.
Le Marché aux chevaux (1853), New York, Metropolitan Museum of Art.
En 1867, Rosa Bonheur, devenue riche, fut même la première femme artiste à recevoir la légion d’honneur. L’impératrice Eugénie la lui donna en personne. Elle voulait montrer que « le génie n’avait pas de sexe ». Cependant, la peintre ne fit jamais l’unanimité. De nombreux critiques lui reprochèrent son indifférence pour les courants artistiques qui modernisèrent la peinture de son époque. Ils en firent le symbole du conservatisme tant pictural que politique.
Labourage nivernais (1849), Paris, Musée d’Orsay.
Pourtant, si Rosa Bonheur fut effectivement très conservatrice sur bien des aspects, elle mena une vie de femme bien en avance sur son temps. Elle refusa obstinément de se marier pour garder son indépendance financière autant que par désintérêt envers les hommes. Mais elle ne vécut pas seule pour autant. Quoique niant toute homosexualité (on est au XIXe siècle), elle s’installa avec deux compagnes successives, peintres comme elle. Ensemble, elles organisèrent la diffusion des leurs œuvres sous forme d’estampes, organisèrent un atelier de production et développèrent tout un « marketing » autour de Rosa et de ses tableaux.
Permission de travestissement accordée par la préfecture de police à Rosa Bonheur en 1857
En 1889, lors de l’Exposition universelle de Paris, elle se lia même à Buffalo Bill et partit à Chicago en 1893 où elle rencontra également le succès.
Portrait de Buffalo Bill (1889), Cody (Wyoming), Whitney Gallery of Western Art Collection.
Elle mourut d’une congestion pulmonaire six ans plus tard, laissant derrière elle plus de 2 100 œuvres. Elles sont aujourd’hui dispersées dans des musées du monde entier mais on peut encore visiter l’atelier de l’artiste dans son château de By, près de Paris.
